Umetnost in moda: 9 slavnih oblek v slikarstvu, ki napredujejo v ženskem slogu

Portret Madame X John Singer Sargent, 1883-84 (levo); z Glasbenik Tamara de Lempicka, 1929 (v sredini); in Simfonija v belem št. 1: Belo dekle James McNeill Whistler, 1862 (desno)

Za te ženske je vse od njihovega bogastva, značaja in političnih/družbenih stališč na podlagi teh slik postalo pokazatelj tega, kdo so. Ne glede na to, ali so vedeli ali ne, so vplivali na modne trende, ogorčeni kritiki in se z modo predstavljali svetu okoli sebe. Spodaj je devet slik z znanimi oblekami, ki segajo od renesanse pa vse do sodobnosti .

Renesančne slike s slavnimi oblekami

The Renesansa je bil čas kulturno-umetniškega preporoda, kot klasicizem se je v evropskih družbah revolucionarno vrnil . Toda v tem obdobju je prišlo tudi do pomembnih sprememb v modi; poglejte, kako so znane obleke na slikah vplivale na modo v času renesanse.

Portret Arnolfinija (1434) Jana Van Eycka

Portret Arnolfinija avtorja Jan Van Eyck , 1434, preko Narodne galerije v Londonu

Jan van Eyck ’s Poročni portret Arnolfinija je rezana pri preučevanju tkanine v portretiranju. Van Eyckova tehnika ničesar ne prepušča domišljiji, saj njegov pristop k slikanju blaga ustvarja realistično in tridimenzionalno izkušnjo. Smaragdno zelena barva njenega volnenega oblačila v odtenkih draguljev in rokavi, podloženi s hermelinom, kažejo na status družine, saj so si tkanine na zgornji sliki lahko privoščile le premožne stranke.

Volna, svila, žamet in krzno so bili redki in dražji za proizvodnjo v primerjavi z bombažem ali lanom in so bili statusni simbol, koliko si lahko privoščite. Prav tako prikazuje bogastvo njenega moža, saj kaže, da si je lahko privoščil nakup veliko jardov blaga, da bi ustvaril njeno obleko. Eno najbolj razpravljanih vprašanj v zvezi s sliko je, ali je ženska na sliki (verjetno Arnolfinijeva žena) noseča ali ne. Renesančna krila so bila tako polna in težka, da so si ženske dvignile krilo, da bi se lažje premikale.

Ali uživate v tem članku?

Prijavite se na naše brezplačno tedensko glasiloPridruži se!Nalaganje...Pridruži se!Nalaganje...

Za aktivacijo naročnine preverite svoj nabiralnik

Hvala vam!

Zelo bogate ure vojvode Berryja aprila avtorja The Limbourg Brothers , 1412-16, v Musée Condé, Chantilly, preko spletne galerije umetnosti, Washington D.C. (levo); z Zelo bogate ure vojvode Berryjevega Rajski vrt avtor The Bratje Limbourg , 1411-16, v Musée Condé, Chantilly, preko spletne galerije umetnosti, Washington D.C. (desno)

Dodani razkošni naborki njene obleke prav tako razkrivajo trend upodabljanja žensk z bolj ukrivljenimi sredicami, saj je kazalo upanje na spočetje otrok v zakonu. Drug primer tega so bratje Limbourg Zelo bogate ure vojvode Berryja. Na obeh slikah so samice upodobljene z bolj okroglim trebuhom. Slika na levi prikazuje poroko in je primerljiva s portretom Arnolfini, saj obe ženski projicirata podobo materinstva v pričakovanju nosečnosti. Ne da bi na sliko gledali s sodobno lečo, lahko to vidimo kot zapis o tem, kaj so nosile ženske in kaj je bilo pomembno, da so ljudje razkrili drugim.

Baročne in rokokojske slike

The Barok in rokoko obdobja lahko zaznamujejo dodelana dekoracija, dekadenca in igrivost. Ti trendi niso bili vidni le v umetnosti, ampak tudi v modi skozi zapletene okraske in razkošne obleke. Oglejte si nekaj slavnih oblek, ki so jih navdihnile umetnine.

Elizabeth Clarke Freake (gospa John Freake) in Baby Mary (1674)

Elizabeth Clarke Freake (gospa John Freake) in Baby Mary avtor neznani umetnik , 1674, Worcester Art Museum

Pozornost tega neznanega umetnika do podrobnosti in osredotočenost na oblačila je tisto, zaradi česar je ta slika pomemben zapis življenja Puritanci Nove Anglije . Na tej sliki je Elizabeth okrašena s finimi tkaninami in dodatki Amerike iz 17. stoletja. Njen bel čipkast ovratnik kaže na priljubljeno evropsko čipko, ki jo najdemo med aristokratskimi ženskami. Iz njene obleke sega zlato vezeno žametno spodnje krilo, njeni rokavi pa so okrašeni s trakovi. Krasi jo nakit iz biserne ogrlice, zlatega prstana in zapestnice iz granata. Ta slika ponuja edinstven pogled na puritansko življenje Elizabete in njene družine.

Umetnik lahko zlije podobe njihovega bogastva v skromnem okolju. Slika jasno prikazuje Elizabethino bogastvo, ko se odloči nositi svoje najboljše oblačilo in nakit. Prav tako odraža bogastvo njenega moža Johna Freakea, da si je lahko privoščil to razkošje in da je naročil ta portret, pa tudi enega svojega. Slika bi pomenila tudi njihov puritanski odnos hvaležnosti do Boga, saj brez njegovega blagoslova ne bi mogli imeti tega razkošja.

Gugalnica (1767) Jean-Honore Fragonard

Gugalnica avtorja Jean-Honore Fragonard , 1767, prek The Wallace Collection, London

Jean-Honore Fragonard ’s Gugalnica je primer rokoko stila v francoskih aristokratskih krogih. Slika je bila zasebno naročilo, kjer je francoski dvornik prosil Fragonarda, naj ustvari to sliko sebe in svoje ljubice. Čeprav je bila slika postavljena za zaprtimi vrati, razkriva razkošje, lahkomiselnost in skrivnost francoskega kraljevega dvora.

Pastelno roza obleka izstopa med bujnim vrtom in je osrednji poudarek kosa. Fragonard naslika obleko z ohlapnimi potezami čopiča, ki posnemajo široka krila in naboran steznik njene obleke. Njegovo ohlapno delo s čopičem sovpada z njegovo temo tega idiličnega vrtnega prizora, ki je poln koketnih in muhastih podob. Z vsemi zožitvami steznikov, vrvežev in ograj ženskih oblačil je bil edini kraj, ki ni imel nič, spodnji rob ženskega krila. Fragonard je to izkoristil v svojo korist, ko je upodobil žensko, ki se zaniha na pravem mestu, tako da ji lahko ljubimec dvigne krilo. Zasebno naročilo je Fragonardu dovolilo eksperimentiranje s svojo temo in gledalcem omogočilo, da odkrijejo, kakšno bi bilo življenje najbogatejših ljudi na dvoru.

Francoska obleka, obleka iz Francije iz 18. stoletja , 1770, prek Metropolitanskega muzeja umetnosti v New Yorku

Njegovo slikarstvo predstavlja tudi modne trende, ki so jih postavili na francoskem dvoru. Rokoko je presegel modo, umetnost in arhitekturo ter ustvaril nekaj, kar je edinstveno francosko. Rokokojska moda je vključevala najrazkošnejše tkanine, vključno s pastelno obarvano svilo, žametom, čipko in cvetličnimi vzorci. Vključevala je tudi pretirano količino lokov, draguljev, naborkov in okrasnih okraskov, da bi ustvarila videz, ki je pritegnil pozornost na dvoru. Slog je določal razliko med revnimi in bogatimi, saj si je aristokracija lahko privoščila razkošje finih tkanin in okraskov. Za ženske, ki nosijo tako rokokojsko okrasje, je slika utelešenje francoskega kraljevega dvora pred revolucijo.

Znane obleke na slikah iz 19. stoletja

19. stoletje je doživelo umetniški premik od Neoklasicizem v zgodnji modernizem in se umaknil stilom in miselnim šolam. V tem stoletju je prišlo tudi do sprememb v modi; preberite, če želite videti, kako so slike vplivale na uvedbo slavnih oblek in stilov, ki so bili bistveno bolj moderni kot prej.

Simfonija v belem št. 1: Belo dekle (1862) Jamesa McNeilla Whistlerja

Simfonija v belem št. 1: Belo dekle avtorja James McNeill Whistler , 1862, prek Narodne galerije umetnosti, Washington D.C.

Umetnost zaradi umetnosti se je povezala z Simfonija v belem št. 1: Belo dekle kot James McNeill Whistler nameraval, da ima slika duhovni pomen. Kritiki pa tega niso videli tako, ker je portretiranka Joanna Hiffernan (njegova takratna ljubica). Še pomembneje pa je, da je bilo oblačilo, ki ga je Whistler izbral za slikanje Hiffernana, sklenilo posel in poskrbelo, da je ta obleka izstopala med njegovimi drugimi slikami.

Ta portret je bil takrat škandalozen zaradi Whistlerjeve upodobitve ženske čisto bele obleke. V 19. stoletju je ženska obleka pogosto vključevala a kletka za krinolino spodnje krilo iz jekla, da njihova krila ostanejo na površju. Ženske so med številnim drugim spodnjim perilom nosile tudi steznike, da so si lahko ustvarile širša krila.

Ženska v belem je pravo nasprotje tistega standarda takratnega uglednega oblačenja. Njena čajna halja je oblačilo, ki bi ga smel videti le njen mož (ali ljubimec), saj bi jo bilo mogoče zlahka odstraniti. To je bila dnevna obleka, ki so jo nosili zasebno in bo postala bolj priljubljena šele v začetku leta 1900 za vsakodnevno nošenje.

Za Whistlerja je bila njegova muza mišljena kot del skupne scene, ki je bila prijetna za oko. Upodobil je Hiffernan, kot jo je videl, in za gledalce je bila takrat slika hkrati zmedena in nekoliko nespodobna.

Portret gospodične Lloyd (1876) in Julij: Primer portreta (1878) Jamesa Tissota

Portret gospodične Lloyd avtorja James Tissot , 1876, prek The Tate, London (levo); z Julij: Primer portreta avtorja James Tissot , 1878, preko Clevelandskega muzeja umetnosti (desno)

James Tissot ustvaril številne slike, ki prikazujejo žensko modo v poznih 19. stoletjih. Bil je pred evropsko modo in je znan po tem, da je svoje teme slikal po najnovejših modnih trendih. Ženska moda se je med mladimi damami v Parizu in Londonu začela spreminjati v poznih 19. stoletjih. Široka in težka krila njihovih viktorijanskih predhodnikov so zamenjala ožja krila in polna zadka. Tisto, zaradi česar ta posebna obleka izstopa, je, da jo Tissot nenehno uporablja na svojih slikah. Tissot ga uporablja na eni izmed svojih slik Galerija HMS Calcutta (Portsmouth) in v vseh treh ga uporablja v popolnoma različnih kontekstih.

Gospodična Lloyd na levi nosi obleko, saj bi bila v družbi ponošena. Ta obleka bi bila takrat v modi, saj njena obleka poudarja ozek pas in postavo peščene ure. Ravne linije njene obleke kažejo tudi togost njene postave za razliko od portreta na desni.

Desno je portret Kathleen Newton (njegove tedanje spremljevalke), viden v intimnem okolju v poletnih mesecih. V primerjavi s prvim portretom izžareva vse na tem, kako je upodobil obleko, mlačnost in zapeljivost. Newtonovo vidimo ležati na kavču, njena obleka pa je videti razmršena in razpeta. Njena krila prosto padajo na kavču, razne pentlje in zaponke pa so odpete.

Obe ženski imata svoj poseben čar in skrivnost, ki ju obdajata. Sama obleka označuje razlike v popularni kulturi tistega časa. Ena je tradicionalna in konvencionalna, medtem ko je druga očitno intimna, a škandalozna za gledalce v 19. stoletju.

Portret Madame X (1883) Johna Singerja Sargenta

Portret Madame X avtorja John Singer Sargent , 1883-84, prek Metropolitanskega muzeja umetnosti, New York

Kdorkoli stoji pred Gospa X je presenečen nad postavo in sijajem njenega portreta. John Singer Sargent ustvaril podobo ženske, ki je bila za njegov čas nesprejemljiva, a je postala ena njegovih najbolj prepoznavnih in čaščenih slik. To je portret Madame Pierre Gautreau, ameriške lepotice, mešane v francoski visoki družbi. To je povzročilo takšen škandal, da je moral sam John Singer Sargent zapustiti Pariz in oditi v London.

Čeprav bi obleke, podobne njeni, nosili kot kostume ali za zabave, jih v vsakdanji družbi niso nosili. Obstajajo nekatere podrobnosti, zaradi katerih je ta obleka tako škandalozna. Njen steznik je izrazito zašiljen proti spodnji polovici trebuha. Oster globok V-izrez in naramnice s perlicami komajda prekrivajo njena ramena in razkrivajo tisto, kar je veljalo za intimne dele ženske, zato jih ni primerno razstavljati v javnosti.

Večerna obleka oblikoval Hoschedé Rebours , 1885, prek Metropolitanskega muzeja umetnosti v New Yorku

Potem ko je Sargent sliko poslal na pariški salon leta 1884, je ta med kritiki in gledalci vzbudila ogorčenje. Sprožilo je polemiko, da je bila poročena ženska njenega razreda javno prikazana na tako provokativen način. Gledalcem v Salonu je bilo videti, kot da nosi spodnje perilo in ne prave obleke. Slika je škodovala gospe. Gautreaujev sloves, saj so ljudje videli njen portret kot odraz ponižne osebnosti.

Prvotno naj ne bi šlo za dobesedni prevod besede Mme. Gautreaujev lik. Sargent je sam izbral obleko in njeno držo, rekviziti pa spominjajo na starodavne Rimski kipi namiguje na Diana, boginja lova in lune . Ta stvaritev bi škodovala ugledu obeh. Sargentova je sčasoma odstranila njeno ime s portreta in ga preimenovala Gospa X .

Znane obleke na slikah 20. stoletja

Umetnost v 20. stoletju osredotočen na abstrakcijo in izražanje ter doživlja pomembne spremembe z novimi slogi in temami. To je prineslo tudi raziskovanje novih oblik in sinteze mode in umetnosti . Tukaj so znane obleke, ki jih vidimo na slikah v inovativnem stoletju.

Portret Adele Bloch-Bauer I (1907) Gustave Klimt

Adele Bloch-Bauer I avtorja Gustav Klimt , 1907, preko New Gallery, New York

Zlata obleka Adele Bloch-Bauer kaže Gustav Klimt portret ženske, ki je ne zadržuje svet okoli sebe. V primerjavi z drugimi portreti dam iz visoke družbe njenega časa ta portret izstopa med drugimi. Namesto da bi slikal žensko iz višjega razreda, ki poležava na vrtovih ali bere na zofah, Klimt spremeni Adele v nezemeljsko figuro. Njena obleka je vrtinčasta figura, polna trikotnikov, oči, pravokotnikov in ikonografije. Ni znakov ravnih steznikov ali plasti oblačil. Namesto tega je ponazorjena kot neovirana, ko lebdi v svojem svetu zlata. Art Nouveau vsebuje teme narave in mitskih podob. Povezuje se tudi z boemsko modo, ki jo je Klimt nosil sam in jo uporabljal v različnih drugih slikah.

Emilie Flöge in Gustav Klimt v vrtu vile Oleander v Kammerju ob jezeru Attersee , 1908, preko Leopold Museum, Dunaj

Klimt je pogosto slikal modele, ki jih je ustvaril modni oblikovalec Emilie Flöge . V modnem svetu ni tako znana kot njene sodobnice ali predhodnice, a je naredila odmevne korake pri ustvarjanju mode za ženske svojega časa. Včasih je šlo za skupno prizadevanje, saj je Klimt njene slavne obleke uporabil tudi v mnogih drugih svojih slikah. Flögejeve obleke imajo ohlapne silhuete in široke rokave, ki niso vključevali steznikov ali drugega omejujočega spodnjega perila. Dela tako Klimta kot Flögeja so spodbujala boemski način življenja z zamegljenimi mejami med tradicionalnim in nekonvencionalnim, kot je razvidno iz portreta Adele Bloch-Bauer.

Glasbenik (1929) Tamara Lempicka

Glasbenik avtorja Tamara de Lempicka , 1929, prek Christie's

Tamara Lempička ustvarila portrete, ki so raziskovali ženskost in neodvisnost v dvajsetih letih prejšnjega stoletja. Slikarka art decoja je postala znana po svojih portretih slavnih, ki so raziskovali stilizirano in uglajeno obliko kubizem ki je postal njen zaščitni znak. Ira Perrot (tesni prijatelj in ljubimec Lempicke) je dobesedna manifestacija glasbe v Glasbenik . Tisto, zaradi česar slika izstopa, je njena upodobitev modre obleke. Lempickina tehnika metanja ostrih senc s svojo nasičeno barvno paleto daje obleki gibanje, tako da se zdi, kot da lebdi v zraku. Kratek rob obleke in kaskadni naborki še vedno spominjajo na Moda 1920 , ki je bila prelomnica v ženski modi. Ženske so nosile znane obleke, ki so razkazovale njihove noge in roke, medtem ko so nosile nagubana krila, v katerih je bilo lažje plesati.

Lempicka je navdihnila in preučevala dela mojstrov renesančnih umetnikov ter uporabila podobne teme s sodobnim pristopom. Tradicionalno je modro barvo mogoče videti na oblekah Device Marije na srednjeveških ali renesančnih slikah. Ultramarin modra je bila redka in so jo zmerno uporabljali za pomembne slike. Tu se Lempicka ne boji uporabiti barve kot prevladujočo žariščno točko v portretu. Prav ta modra, skupaj z njeno izjemno močno uporabo gladke barve, poveča svetilnost in gracioznost njene padajoče obleke.

Dve Fridi (1939) Frida Kahlo

Dve Fridi avtorja Frida Kahlo , 1939, v Muzeju moderne umetnosti v Mexico Cityju, prek Google Arts and Culture

Pisani in ročno tkani mehiški tekstili so prepleteni z zapuščino Frida Kahlo . Ta oblačila je sprejela kot del svoje dediščine in jih nosi na številnih avtoportretih in fotografijah. Slavne obleke, prikazane v Fridi Kahlo Dve Fridi simbolizirajo njene povezave z obema stranema njene evropske in mehiške dediščine.

Frida na levi je odraz njenega odraščanja v družini višjega srednjega razreda. Njen oče je bil po rodu iz Nemčije in njeno domače življenje v otroštvu je vsebovalo zahodne navade. Bela čipka njene obleke je simbol sloga, priljubljenega v evropski modi. Ta zahodnjaška različica je v nasprotju z željo desne Fride, da sprejme svojo mehiško dediščino z nošenjem tradicionalne obleke Tehuana. To oblačilo je nekaj, kar je spodbudil njen mož Diego Rivera , predvsem v njihovem boju za spremembe v svoji državi. Prikazala je njen ponos, da nosi avtohtona in tradicionalna oblačila iz Mehike.

Oblačila Kahlo so pomemben vidik njenega življenja in dela. Potem ko je kot otrok zbolela za otroško paralizo, je bila ena njena noga krajša od druge. Njena pisana krila so postala način, da skrije svojo nogo na način, ki jo ščiti pred opazovanjem. Njena garderoba je vključevala obleke Tehuana, bluze huipil, rebozos, pokrivala s cvetovi in ​​starinski nakit. Ta oblačila je pomembno upoštevati, ko gledamo dela Kahlo, saj so ilustracija njene ljubezni, bolečine in trpljenja, ki jih vključuje v svoje delo.