4 ikonična umetniška in modna sodelovanja, ki so oblikovala 20. stoletje

Tri koktajl obleke, poklon Pietu Mondrianu avtorja Eric Koch , 1965, preko francoskega Voguea

Povezave med umetnostjo in modo določajo specifične trenutke v zgodovini. Oba medija odražata družbene, ekonomske in politične spremembe od burnih dvajsetih do razkošnih osemdesetih. Tu so štirje primeri umetnikov in modnih oblikovalcev, ki so s svojim delom pomagali oblikovati družbo.

1. Halston in Warhol: modna štipendija

Štirje portreti Halstona , Andy Warhol, 1975, zasebna zbirka

Prijateljstvo med Royem Halstonom in Andy Warhol je tista, ki je definirala umetniški svet. Tako Halston kot Warhol sta bila voditelja, ki sta utrla pot, da je umetnik/oblikovalec postal slaven. Odstranili so pretenciozno stigmo sveta umetnosti in prinesli modo in stil množicam. Warhol je uporabil sitotiskanje za večkratno izdelavo slik. Čeprav zagotovo ni izumil postopka, je revolucioniral zamisel o množični proizvodnji. Halston je uporabil tkanine in modele, ki so bili preprosti in elegantni, a glamurozni z uporabo bleščic, ultrasemiša in svile. Bil je eden prvih, ki je ameriško modo naredil dostopno in zaželeno. Oba sta dala dokončen pečat umetnosti in slogu skozi 60., 70. in 80. leta prejšnjega stoletja, ki traja še danes.

Sodelovanje in komercialni uspeh

Rože avtorja Andy Warhol , 1970, preko Princeton University Art Museum (levo); z Liza avtorja Andy Warhol , 1978, via Christie’s (sredina); in Rože avtorja Andy Warhol , 1970, prek muzeja umetnosti Tacoma (desno)

Tako Halston kot Warhol sta sodelovala pri številnih različnih projektih. Warhol je ustvaril oglaševalske akcije, ki so predstavljale Halstonova oblačila in celo samega Halstona. V bolj neposrednem sodelovanju je Halston uporabil Warholov potisk rož na nekaterih svojih oblačilih od večerne obleke do kompleta salonarjev.

Halston je v svojih oblačilih uporabljal preproste modele, zaradi česar so bili zelo uspešni. Bili so poenostavljeni in enostavni za nošenje, a so kljub temu delovali razkošno z njegovo uporabo tkanin, barv ali potiskov. Warhol je prav tako poenostavil svoje materiale in postopek, kar je olajšalo reprodukcijo njegovih del in jih naredilo bolj prodajne.

Ali uživate v tem članku?

Prijavite se na naše brezplačno tedensko glasiloPridruži se!Nalaganje...Pridruži se!Nalaganje...

Za aktivacijo naročnine preverite svoj nabiralnik

Hvala vam!

Večerna obleka avtor Halston , 1972, preko muzeja umetnosti Indianapolis (levo); z Obleka in ujemajoče se ogrinjalo avtor Halston , 1966, preko muzeja FIT, New York City (sredina); in Lounge Ensemble avtor Halston , 1974, preko Univerze Severnega Teksasa, Denton (desno)

Komercialni uspeh je imel svoje izzive za oba oblikovalca. Halston bi bil prvi, ki je leta 1982 sodeloval z maloprodajno verigo JCPenney, ki naj bi strankam ponudila nižjo ceno za njegove modele. To za njegovo znamko ni bilo uspešno, saj se je zdelo, da jo je pocenilo, vendar je utrlo pot bodočim oblikovalcem, da storijo enako. Warhol je bil deležen tudi kritik, saj so njegovo produkcijo ocenili za plitko in površno. Vendar sta oba posodobila uporabo maloprodaje in trženja v svojih prostorih, da bi ustvarila blagovne znamke za prodajo na množičnem trgu.

Blišč in glamur

Čevlji Diamond Dust avtorja Andy Warhol , 1980, prek Monsoon Art Collection, London (levo); z Ženska obleka, bleščice avtor Halston , 1972, prek LACMA (desno)

Tako Warhol kot Halston sta bila pogosta obiskovalca Studia 54. Zabavljala sta, oblikovala in producirala dela za znane osebnosti, kot so Liza Minnelli, Bianca Jagger in Elizabeth Taylor. Ti izleti se odražajo v njihovih delih, saj so navdihnili in definirali disko obdobje 1970.

Halston je znan po ustvarjanju večernih oblačil s polnimi bleščicami. Bleščice je položil na blago vodoravno. To ustvari svetleč učinek materiala, ki bi ga uporabil za ustvarjanje ombre ali patchwork dizajnov. Njegove zasnove so bile preproste silhuete, ki so ustvarjale lahkotnost in gibanje za ples. Njegova uporaba bleščic je bila zelo priljubljena med zvezdami, vključno z Lizo Minnelli, ki je nosila njegove modele za nastope in izlete. Studio 54 .

Warholova serija Diamond Dust Shoes prav tako ponazarja nočno življenje Studia 54 in vpliv slavnih. Diamond Dust je tisto, kar je uporabil na sitotisku ali slikah, s čimer je delu ustvaril dodaten element globine. Warholovi odtisi čevljev so bili sprva ideja za oglaševalsko kampanjo za Halstona. Kot navdih je uporabil celo nekaj Halstonovih modelov čevljev.

Oblikovalec, ki je postal slaven, se je začel z Warholom in Halstonom. Ni šlo samo za to, katere vrste umetnosti in oblačil so ustvarili, ampak tudi za njihovo družbeno življenje. Dandanes obstajajo modni oblikovalci in umetniki, ki so slavne osebnosti in to prispeva k uspehu njihovih blagovnih znamk.

2. Sonia Delaunay: Kjer umetnost postane moda

Sonia Delaunay z dvema prijateljema v studiu Roberta Delaunayja, 1924, preko Bibliothèque Nationale de France, Pariz

Sonia Delaunay ne le revolucionirala nova oblika kubizem predvideval pa je tudi povezave med umetnostjo in modo. Delaunayjeva in njen mož sta bila pionirja Orfizem in eksperimentiral z različnimi oblikami abstrakcije v umetnosti. Bila je prva svoje vrste, ki je uporabila lasten umetniški slog in prestopila v svet mode z uporabo svojih originalnih tekstilnih modelov, potiskov ali vzorcev. Bolj se je spominjamo po njeni umetnosti in povezanosti z možem kot po modi. Njena oblačila so bila v ospredju sprememb v ženskih oblačilih v dvajsetih letih prejšnjega stoletja. Njenega kataloga oblačil si bolj zapomnimo po fotografijah in sklicevanju na njeno umetnost kot po samih fizičnih oblačilih. Za Delaunayja ni črte med umetnostjo in modo. Zanjo so eno in isto.

Sočasna in uporniška moda

Simultane obleke (tri ženske, oblike, barve) avtorja Sonia Delaunay , 1925, prek Narodnega muzeja Thyssen-Bornemisza, Madrid (levo); z Simultana obleka avtorja Sonia Delaunay , 1913, prek Narodnega muzeja Thyssen-Bornemisza, Madrid (desno)

Delaunay je začela svoje modno podjetje v dvajsetih letih 20. stoletja z ustvarjanjem oblačil za stranke in oblikovanjem blaga za proizvajalce. Poklicala je svojo založbo Istočasno in še naprej napredovala pri uporabi barv in vzorcev na različnih medijih. Simultanizem igrala pomembno vlogo v njenem procesu oblikovanja. Njena uporaba tehnike je zelo podobna patchwork odeji ali tekstilu iz vzhodne Evrope. Barve se prekrivajo, vzorci pa se uporabljajo za ustvarjanje harmonije in ritma. Njene običajne teme vključujejo kvadrate/pravokotnike, trikotnike in diagonalne črte ali krogle – vse se med seboj prekrivajo v njenih različnih oblikah.

Plošča 14 od Sonie Delaunay: njene slike, njeni predmeti, njena sočasna tkanina, njena moda avtorja Sonia Delaunay , 1925, preko Narodne galerije Victoria, Melbourne

Delaunay je bila mlada ženska med Edvardijansko obdobje kjer so bili stezniki in skladnost norma. To se je spremenilo v dvajsetih letih prejšnjega stoletja, ko so ženske nosile krila nad koleni in ohlapna oblačila, ki se prilegajo v škatlo. Ta vidik je nekaj, kar je mogoče videti v Delaunayjevih modelih, in strastno je ustvarjala oblačila, ki ustrezajo potrebam žensk. Oblikovala je kopalke, ki so ženskam omogočile boljše sodelovanje pri športih, ki so jih prej ovirale. Svoje tkanine je polagala na plašče, čevlje, klobuke in celo avtomobile, tako da je vsaka površina postala njeno platno. Njeni modeli so ustvarili svobodo gibanja in izražanja z barvo in obliko.

Delaunayjev prehod v film in gledališče

Le P'tit Parigot avtorja René Le Somptier , 1926, prek IMDB (levo); z Kostum za 'Kleopatro' v produkciji 'Kleopatre' Ballets Russes od Sonia Delaunay, 1918, preko LACMA (desno)

Delaunay se je med svojo kariero preusmerila v film in gledališče. Oblikovala je kostume za film iz leta 1926 Le P'tit Parigot ('The Small Parisian One') Reneja Le Somptierja. Tako Delaunay kot njen mož sta prispevala k filmu, njen mož pa je prispeval k scenografijam, uporabljenim v filmih. Na levi je prikazana romunska plesalka Lizicai Codreanu v enem od kostumov, ki jih je oblikoval Delaunay. Njena uporaba krogel, cik-cak in kvadratov je še en primer simultanizma. Cik-cak ozadja se zlije z gamašami kostumov. Plošča, ki je obkrožala obraz plesalke, je bila ponavljajoča se tema v Delaunayjevi modi.

Ustvarila je tudi dizajne za 'Kleopatra' , Ballets Russes. Podobno kot pri sodelovanju pri filmu je sama izdelala kostume, njen mož pa je sodeloval pri scenografiji. Oba sta med seboj sodelovala, da bi ustvarila harmonično izkušnjo za gledalca. Kleopatrin kostum ima večbarvne črte in polkroge, ki mešajo njen abstraktni slog iz dvajsetih let prejšnjega stoletja s tradicionalnim baletom.

3. Sodelovanje Else Schiaparelli in Salvadorja Dalíja

Čevelj v obliki klobuka Schiaparelli Elsa Schiaparelli in Salvador Dalí , 1937-38, preko Vogue Australia

V ospredju nadrealistična umetnost se ujema z voditeljem v nadrealistični modi. Salvador Dali in modni oblikovalec Elsa Schiaparelli sodelovali in navdihovali drug drugega v svoji karieri. Ustvarili so ikonične podobe, kot je Jastog obleka , Klobuk za čevlje (Dalíjeva žena, Gala zgoraj) in Obleka Tear , ki je šokiral in navdihnil občinstvo tako v umetnosti kot v modi. Dalí in Schiaparelli sta utrla pot za prihodnje sodelovanje med modnimi oblikovalci in umetniki, ko sta premostila vrzel med tem, kar velja za nosljivo umetnost, in modo.

Jastog in Dalí

Ženska večerna obleka Elsa Schiaparelli in Salvador Dali , 1937, preko Philadelphia Museum of Art (levo); Salvador Dali avtorja George Platt Lynes , 1939, preko Metropolitanskega muzeja umetnosti, New York City (desno)

Čeprav je jastog na videz neškodljiv, je v resnici polemika. Dalí uporabljal jastogi kot ponavljajoča se tema v njegovem delu in ga je zanimala anatomija jastoga. Njegova lupina na zunaj deluje kot okostje, znotraj pa ima mehko notranjost, nasprotno kot človek. Jastog v Dalíjevem delu ima tudi spolne odtenke, ki izhajajo iz dinamike med ženskami in moškimi.

Obleka Lobster je plod sodelovanja obeh umetnikov, Dalí pa je skiciral jastoga, ki bo uporabljen na obleki. Sprožil je veliko polemik, ko je prvič nastopil v Vogue . Prvič, ima prosojni steznik in krilo iz bele organze. Ta prosojnost, ki kaže komaj vidno podobo manekenskega telesa, je bila nekaj povsem novega v množični modi. Uporaba bele tkanine je tudi v nasprotju z rdečo barvo jastoga. Bela se lahko šteje za deviško ali pomeni čistost v primerjavi z rdečo, ki lahko pomeni spolnost, moč ali nevarnost. Jastog je priročno nameščen na krilo, da pokrije ženski medenični predel. Ta umestitev je podobna zgornji fotografiji Dalíja, kar dodatno označuje žensko spolnost v primerjavi z moškim odzivom nanjo.

Model, ki je oblačilo nosil Vogue je bila Wallis Simpson, žena Edvarda VIII., ki se je odrekel angleškemu prestolu, da bi se poročil z njo. To je še en primer, ko se kontroverzna osebnost ali podoba v kulturi spremeni v nekaj, kar je vredno častiti.

Slog, ki hladi kosti

Ženska z glavo vrtnic avtor Salvador Dalí , 1935, preko Kunsthaus Zurich (levo); z Obleka Skeleton avtorja Elsa Schiaparelli , 1938, preko muzeja Victoria in Albert, London (desno)

Okostnjaki so še ena tema, ki jo vidimo v nadrealistični umetnosti in so bili uporabljeni v več sodelovanjih med Dalijem in Schiaparellijem. Obleka Skeleton je bil prvi te vrste zaradi vsebine, pa tudi zaradi tehnike. Schiaparelli je uporabil tehniko, imenovano prešite kjer sta dve plasti tkanine sešiti skupaj in tako ustvarita obris. Vata je vstavljena v obris, kar ustvarja dvignjen učinek. Ta tehnika ustvari teksturirano površino na ravni tkanini, ki daje iluzijo, da skozi obleko štrlijo človeške kosti. To je povzročilo škandal, ker je bila obleka narejena iz oprijemljivega materiala, ki se je prijel na kožo. Domišljijo Dalijevih slik in risb so v fizičnem tridimenzionalnem svetu uresničile Schiaparellijeva oblačila. Kot smo že omenili, je Dalija zanimala anatomija, kar se odraža tudi v njegovem delu.

4. Yves Saint Laurent: Kjer se srečata umetnost in navdih

Obleka Yves Saint Laurent, ki jo je navdihnil Picasso avtorja Pierre Guillaud , 1988, preko Times LIVE (levo); z Ptice Georges Braque, 1953, v muzeju Louvre v Parizu (desno)

Kje je meja med posnemanjem in cenjenjem? Kritiki, gledalci, umetniki in oblikovalci so se trudili ugotoviti, kje je ta črta narisana. Vendar pa pri razpravi Yves Saint Laurent , njegovi nameni niso bili nič drugega kot laskanje in občudovanje umetnikov in slik, ki jih je uporabljal kot navdih. Ob pogledu na njegov obsežen portfelj so Saint Laurenta navdihnile kulture in umetnost z vsega sveta in to vključil v svoja oblačila.

Čeprav Yves Saint Laurent nikoli ni srečal umetnikov, ki so ga navdihovali, ga to ni ustavilo pri ustvarjanju del kot poklon njim. Laurent je črpal navdih pri umetnikih, kot je npr Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,in Picasso . Bil je zbiratelj umetnin in je imel slike Picassa in Matissa v svojem domu. Jemanje podob drugega umetnika kot navdih je včasih lahko kontroverzno. Saint Laurent pa bi uporabil podobne teme kot ti umetniki in jih vključil v nosljiva oblačila. Vzel je dvodimenzionalni motiv in ga preoblikoval v tridimenzionalno oblačilo, ki je poklon nekaterim njegovim najljubšim umetnikom.

Pop art in revolucija 60. let

Koktajl obleka, ki jo je nosila Muriel, poklon Pietu Mondrianu, kolekcija visoke mode jesen-zima 1965 avtor Yves Saint Laurent, fotografiral Louis Dalmas , 1965, preko Musée Yves Saint Laurent, Pariz (levo); z Večerna obleka, ki jo je nosila Elsa, Homage Tomu Wesselmannu, kolekcija visoke mode jesen-zima 1966 avtor Yves Saint Laurent, fotografiral Gerard Pataa, 1966 , preko muzeja Yves Saint Laurent, Pariz (desno)

Šestdeseta leta prejšnjega stoletja so bila čas revolucije in komercializma ter nova doba za modo in umetnost. Saint Laurentovi modeli so komercialno uspeli, ko je začel pridobivati ​​navdih POP umetnost in abstrakcija. Leta 1965 je ustvaril 26 oblek, ki so jih navdihnile abstraktne slike Pieta Mondriana. Obleke so utelešale Mondrianovo uporabo poenostavljenih oblik in drznih osnovnih barv. Saint Laurent je uporabil tehniko, pri kateri med plastmi tkanine ni vidnih šivov, zaradi česar je videti, kot da je oblačilo en cel kos. Saint Laurent je prevzel Mondrianovo umetnost iz dvajsetih let prejšnjega stoletja in jo naredil nosljivo in primerljivo s šestdesetimi leti prejšnjega stoletja.

Modne obleke so klasični primeri sloga iz šestdesetih let prejšnjega stoletja, kjer je praktičnost postajala večji problem za ženske. Bila so podobna oblačilom iz 1920-ih, ki so bila manj omejena in so imela rokave in robove, ki so pokazali več kože. Škatlaste silhuete Saint Laurenta so ženskam omogočale lahkotnost in gibanje. To je vodilo tudi do njegovega navdiha pri pop art umetnikih, kot je npr Tom Wesselmann in Andy Warhol. Ustvaril je linijo modelov, navdihnjenih s pop artom, ki so vsebovali silhuete in izreze na njegovih oblačilih. Šlo je za razbijanje omejitev glede abstrakcije v umetnosti in komercializacijo oblikovanja. Laurent je združil ti dve ideji in ustvaril oblačila za ženske, ki so osvobodila in pritegnila sodobno žensko.

Umetnost v modi Haute Couture

Večerni kompleti, poklon Vincentu van Goghu, ki sta jih nosili Naomi Campbell in Bess Stonehouse, kolekcija visoke mode pomlad-poletje 1988 avtor Yves Saint Laurent, fotografiral Guy Marineau , 1988, preko muzeja Yves Saint Laurent, posneto

The Vincent van Gogh Jakne Saint Laurent so primer, kako je Saint Laurent združil navdih drugih umetnikov in lastne oblikovalske talente. Tako kot njegova druga oblačila tudi teme, povezane z umetniki, niso bile kopirane in prilepljene na oblačila Saint Laurenta. Namesto tega se je odločil, da jih vzame kot navdih in ustvari kose, ki odražajo njegov lasten slog. Jakna je predstavnik sloga 80-ih s svojimi močnimi rameni in zelo strukturiranim škatlastim videzom. Gre za kolaž sončnic, izvezenih v slikarskem stilu Van Gogha.

Sončnična jakna-detajl avtor Yves Saint Laurent , 1988, via Christie’s (levo); z Sončnice-detajl avtor Vincent Van Gogh , 1889, preko Van Goghovega muzeja v Amsterdamu

Yves Saint Laurent je sodeloval s hišo Hiša Lesage , vodilni na področju vezenja visoke mode. Sončnični jopič je izvezen s cevastimi perlami, ki obrobljajo robove suknjiča, ter cvetnimi listi in stebli sončnic. Rože so polnjene z različnimi odtenki oranžnih in rumenih bleščic. To ustvari večdimenzionalni teksturni kos, podoben Van Goghovi tehniki nanašanja debele barve na platno. Ocenjuje se, da gre za enega najdražjih kosov visoke mode, ki so ga izdelali, saj so ga pri Christie's prodali za 382.000 evrov. Saint Laurent je premostil pot do tega, kako lahko človek nosi modo kot umetniško delo samo po sebi.