Pop art: ameriški proti britanski (slavni umetniki in ikonična umetnost)

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie's

Eno najbolj znanih umetniških gibanj vseh časov, pop art, je definiralo potrošniško mladinsko kulturo 50. in 60. let prejšnjega stoletja, zaradi česar je umetnost postala pop! kot še nikoli. Pop umetniki so iskali navdih v kraljestvih popularne kulture, pri čemer so igrive, barvite in nespoštljive podobe jemali iz oglasov, stripov, revij in filmov ter jih vključili v vznemirljive nove oblike umetnosti.

Eksperimentiranje z jezikom izreži in prilepi dadaist in Nadrealizem , so številni umetniki kolažiranje raziskovali na sveže nove načine. Na industrializirani svet kapitalizma in potrošništva se sklicujejo na posmehljivo resnost. Drugi so sprejeli naraščajočo tehnologijo novih tehnik, vključno z grafiko, fotografija ,in filmsko ustvarjanje, ki je umetnikom omogočilo ustvarjanje večkratnikov in ponavljajočih se vzorcev, s čimer so odstranili pretenzije okoli posameznega, izoliranega umetniškega dela. Nekateri so nadaljevali s tradicionalnimi mediji slikarstva in kiparstva, vendar so našli načine za vključevanje fotografskih ali tiskanih elementov ali slogov, ki posnemajo digitalne učinke.

Serija Marilyn Monroe, Andy Warhol, 1967 in A Bigger Splash, David Hockney, 1967, Tate

Pop art, ki je bil pretežno britanski in ameriški fenomen v petdesetih in šestdesetih letih 20. stoletja, je imel širok vpliv v desetletjih, ki so sledila, in navdihnil milijone posnemovalcev po vsem svetu. Pravzaprav je Pop tako uspešno poročil umetnost s trgovino, da je njuna zveza še danes trdna. Še naprej navdihuje in informira neštete ustvarjalne mislece.

Ali ste vedeli, da se je pop art začel v Londonu v Angliji?

Eduardo Paolozzi, Bil sem bogataševa igračka, 1947

v New Yorku Andy Warhol je najbolj znana Popova ikona, vendar mnogi morda ne vedo, da se je gibanje dejansko začelo v 1940-ih v Londonu. Neodvisna skupina je bila skupina podobno mislečih umetnikov, ki so se redno srečevali na londonskem Inštitutu za sodobno umetnost, da bi izmenjali ideje. Združeni so bili v svoji fascinaciji nad ameriškimi filmi, oglaševanjem in blagovnimi znamkami, ki so si utrle pot v britansko kulturo. Med člani sta bila Eduardo Paolozzi in Richard Hamilton, ki sta danes priznana kot prva pop izvajalca. V predrznem kolažu Paolozzija z naslovom Bil sem bogataševa igrača, 1947, beseda Pop! strelja iz pištole igrače, naklon kreativnemu besedilu stripov. Mnogi zdaj to umetniško delo vidijo kot izvor izraza pop art, ki ga je Paolozzi uporabil kot okrajšavo besede popular, pri čemer se je nanašal na navdušenje skupine nad popularno kulturo.

Richard Hamilton, Just What is it that Makes Today’s Homes So Different, so Appearing?, 1956

Slavni kolaž Richarda Hamiltona Le kaj je tisto, zaradi česar so današnji domovi tako drugačni, tako privlačni? 1956, se je norčeval iz novega, idealiziranega ameriškega življenja, ki se je infiltriralo v zahodno družbo. To je bila smešno pretirana podoba popolnega moškega in ženske, prikazana z vsemi najnovejšimi pripomočki. Vendar so votli, površinski simboli potrošništva. Za razliko od svojega poznejšega ameriškega dvojnika je bil britanski pop art značilen po tej zagrizeni satirični ostrini, ki je ameriško kulturo opazovala z distance. Hamilton je svoj novi slog v šali poimenoval Popularen, minljiv, potrošni material, poceni, masovno proizveden, mlad trik, glamurozen in Big Business.

Neodada in pop v New Yorku

Ali uživate v tem članku?

Prijavite se na naše brezplačno tedensko glasiloPridruži se!Nalaganje...Pridruži se!Nalaganje...

Za aktivacijo naročnine preverite svoj nabiralnik

Hvala vam!

Jasper Johns, Bela zastava, 1955, Met

V petdesetih letih 20. stoletja v New Yorku se je pojavila neodadaistična kultura, ki je raziskovala divji eksperimentalni absurdizem izreži in prilepi zgodnjih 20.thstoletja Dadaistično gibanje . Na sceni so se začeli pojavljati vidni umetniki, med njimi Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein in Andy Warhol . Na znameniti razstavi v Galerija Sydney Janis leta 1962 z naslovom Novi realisti , umetniška dela so bila razvrščena v več ponavljajočih se tem, vključno z dnevnim objektom, množičnimi mediji in ponavljanjem. Kurator iz Britanske Amerike Lawrence Alloway opazil povezavo med britansko in ameriško umetnostjo. Bil je prvi, ki je uporabil izraz pop art za opredelitev zore nove dobe. V nasprotju z britanskim slogom popa so ameriški umetniki živeli v kraljestvih množičnega komuniciranja in oglaševanja, tako da so ga opazovali iz notranje perspektive z manj kritičnim očesom.

Mnogi umetnostni kritiki tako v Združenih državah kot v Evropi so bili zgroženi nad uporabo 'nizke' tematike v kraljestvih 'visoke' umetnosti, umetniki pa so se soočali z ostrimi kritikami, ko je bilo gibanje na začetku. Toda do sredine šestdesetih let prejšnjega stoletja je vse več galerij, umetnikov in kupcev sprejelo naraščajoči trend in postalo je jasno, da bo nov slog tu ostal.

Warhol in Lichtensteinova Americana

Andy Warhol, Campbellove pločevinke za juho, 1962

V šestdesetih letih prejšnjega stoletja v New Yorku je bil Andy Warhol poster za ameriško pop umetnost. Izkoristil je priljubljene, slavne podobe iz ameriške kulture, vključno s Coca Colo, Campbellovo juho, in ikonične znane osebnosti, vključno z Marilyn Monroe, Jackie Kennedy in Elizabeth Taylor. Njegov najljubši medij je bil sitotisk, ki mu je omogočil ustvarjanje osupljivih, drznih barvnih slik kot večkratnikov in ponavljajočih se vzorcev, eksperimentiral pa je tudi s številnimi drugimi mediji, vključno s slikanjem, fotografijo in snemanjem filmov. Ustanovitev svoje svetovno znane newyorške delavnice, znane kot Tovarna, zaposlil je ekipo pomočnikov, ki so mu pomagali prevzeti newyorško umetniško sceno. Čeprav na Warhola pogosto gledajo kot na bleščeči simbol površnega glamurja Amerike, se je pod številnimi njegovimi umetninami skrival tudi zlovešč rob, ki je poudarjal temnejšo plat slavnih in slave, zlasti ko lobanje začel pojavljati v njegovih umetninah.

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

Ameriški slikar Roy Lichtenstein je prav tako posegel v komercialni svet zaradi teme. Sprva so ga navdihnili zavitki žvečilnih gumijev Mickeyja Miške njegovih otrok, kot je razvidno iz njegove zgodnje slike Poglej Mickey, 1961, začel je izdelovati velike poslikane različice posameznih stripovskih okvirjev, ki jih je dodajal in pretiraval, da bi poudaril še večji dramatični učinek. Nekatera dela so poudarjala gledališki učinek onomatopeičnega stripovskega besedila, vključno z besedami, kot so Blam, Pop, Whaam in Varoom. Vsi so bili narisani s pretiranimi črkami in obdani z divje valovitim dimom, ognjem in plameni ali črtami, ki nakazujejo hitro gibanje. Te slike, ki so bile takoj močne, so imele dolgotrajen vpliv na besedilno umetnost v sedemdesetih letih.

Roy Lichtenstein, Utapljajoče se dekle, 1963

Toda Lichtenstein se je resnično zapisal v zgodovino s svojo serijo prizorov, ki temeljijo na stripu o najstniški drami Dekliške romance , ki zajema prevzete mlade ženske, ki jih odnesejo podli mladeniči, ali padejo v bazene obupa, kot je prizor v Utapljajoče se dekle, 1963. Lichtenstein je poudaril in pretiraval čustveno dramo teh mladih žensk do te mere, da postanejo smešne s poudarjanjem površinske narave natisnjene podobe. Podvajanje varčevanja s črnilom Ben-day pika Tehnika tiskanja stripov je služila istemu namenu in opozarja na sploščeno sliko. Lichtenstein je slikal z ravno akrilno barvo Magna skozi perforirano rešetko, da bi ustvaril to sintetično depersonalizirano estetiko, s končnim rezultatom, ki je videti v celoti strojno izdelan.

Druge vrste pop umetnosti

Arman, Dolgotrajno parkiranje, 1982

V drugih delih Evrope so se različice ameriškega in britanskega pop arta pojavile pod različnimi imeni. V Franciji se je zbrala skupina umetnikov, ki so se imenovali Nouveau Realistes (novi realisti), člani pa so bili Arman, Cesar, Christo, John Tinguely in Yves Klein. Navdihnjena z ameriškim in britanskim pop artom, sta v svojo umetnost vnesla elemente popularne kulture, a sta raziskovala tudi manj glamurozno ostanke vsakdanjega življenja, s čimer sta svoji umetnosti dala bolj umazan, manj uglajen rob. Kipar Arman je v svoje ogromne, monumentalne sklope pripeljal zdrobljene ali zapuščene avtomobile, kot jih vidimo v totemskem Dolgotrajno parkiranje, 1982, medtem ko je Tinguely iz starih koles, matic in vijakov izdeloval stroje za trgovino z odpadki in jim vlil okorno, žvenketajoče novo življenje.

Gerhard Richter, Stranka, 1963

Na pojav pop arta se je v šestdesetih letih odzvala tudi skupina umetnikov v Nemčiji, med drugim Gerhard Richter , Sigmar Polke, Konrad Lueg in Manfred Kuttner. V šali so se oglašali kot nemški pop umetniki, da bi pritegnili pozornost, v resnici pa je bilo njihovo delo bolj zapleteno in kritično. Z združitvijo elementov socialističnega realizma iz Vzhodne Nemčije z amerikaniziranim kapitalizmom Zahodne Nemčije so izumili amalgamirani izraz Kapitalistični realizem opisati njihovo vmesno držo. Če povzamemo podobe iz novic, oglasov in kulture slavnih, so imeli njihovi posnetki pogosto ostro, satirično ostrino. V Richterjevem Zabava, 1963, na primer, skupina slavnih se spremeni v strašljive ghoule, ki jim v kozarce za vino cedijo kri, medtem ko v Sigmarju Polkeju zajčki, 1966, Playboyeve zajčice so zmanjšane na pikčasto, zamegljeno sliko vzorčastih in razmazanih pik, ki odmevajo pikčasti jezik Roya Lichtensteina.

Sigmar Sigmar Polke, Zajčki, 1966

Postmodernizem, neo-pop in superflat

Od pojava pop arta v šestdesetih letih 20. stoletja so se umetniki še naprej odzivali na vedno bolj pustolovske načine na širitev sveta množičnih medijev, pogosto s kritično držo. V sedemdesetih letih prejšnjega stoletja so se postmoderni umetniki poigravali s podobami javnosti ali jih predelali in včasih ustvarjali napihnjene različice resničnosti, da bi poudarili destruktivne lastnosti potrošništva.

Cindy Sherman, Brez naslova, 2010-12

Feministično stališče ameriške fotografinje Cindy Sherman je v filmih in revijah posredovalo ostre pripombe o površnih, idealiziranih arhetipih družbe, namenjenih ženskam. Oblečena kot niz karikatur z lasuljami, umetno porjavelostjo, poudarjenim ličenjem in lažnimi nosovi, kritizira smešnost ženskih idealov z razkrivanjem temnega spodnjega dela plastične kirurgije in kozmetičnih izboljšav.

Jeff Koons, Lips, 2000, iz serije 'Easyfun-Ethereal'

ameriški umetnik Jeff Koons se je v osemdesetih odzval na kapitalistično kulturo z lažnimi revijalnimi oglasi in prenapihnjenimi skulpturami, povečevanjem kiča, ljubkih spominkov v strašljivo prevelike replike. Njegova serija ogromnih slik 'Easyfun-Ethereal' je mešanica oglasnih izrezkov. Imajo sijoče ženske ustnice in sočno mokro sadje, ki lebdi nad tropskimi pokrajinami, ki poudarjajo popustljivo, seksualizirano naravo oglaševanja. Ta eleganten fotorealistični jezik je slog, ki je zdaj znan kot neo-pop. Tako kot Warhol vodi obsežno delavnico, ki zaposluje ekipe pomočnikov, ki delajo namesto njega. Skrajno prevelike sestave Mika Kelleyja so še bolj groteskne, saj grozljivo obarvane mehke igrače združujejo v viseče krznene krogle, ki govorijo o množični porabi, zapravljanju in presežku.

Japonski umetnik Takashi Murakami pozira s svojo serijo 'Superflat'.

Če so postmoderni in neo-pop umetniki zavzeli kritično stališče do popularne kulture, japonski sodobni umetnik Takashi Murakami je znova vnesel zabavo. Umetnostni kritiki ga imenujejo celo japonski odgovor na Andyja Warhola. Njegov smešno optimističen svet je poln opojnih cvetličnih potiskov in nasmejanih obrazov v sladko sladkih pastelnih tonih. S sprejetjem izraza Superflat za opredelitev svojega sintetičnega, dekorativnega jezika vleče vzporednice med starodavnimi japonskimi lesenimi bloki in sodobnimi anime ali manga risankami. Navaja, da so ploski, okrasni in cvetlični dizajni v japonski družbi že stoletja. Svoje kričeče, nasmejane rože in predrzna, prijazna bitja združuje v komercialne predmete, s čimer sklene jezik poparta. Od superg in torbic do etuijev za telefone in rolk dokazuje, kako tesno sta jezika umetnosti in trgovine še vedno prepletena.