Genij Antonia Canove: Neoklasično čudo
Portret Antonia Canove Françoisa Xavierja Fabra, 1812, prek The New York Timesa; s Perzejem z Meduzino glavo (Perseus Triumphant) Antonia Canove, 1800-01, preko Vatikanskega muzeja, Rim; in s Tezejem in Minotavrom Antonia Canove, 1781-1783, preko Muzeja Viktorije in Alberta v Londonu
Antonio Canova je bil vzornik neoklasicističnega gibanja kot prvovrstni italijanski kipar. Njegovo poznavanje baroka, rokokoja in klasičnih umetniških gibanj mu je omogočilo ustvarjanje edinstvenega in intuitivnega sloga. Zahvaljujoč navdihu Johanna Joachima Winckelmanna in poznejšim kritikam Gavina Hamiltona je Canova razvil globoko razumevanje grških in rimskih klasičnih del. Njegova lastna dela so ponazarjala harmonijo, ravnotežje, simetrijo in sorazmerje. Te ključne točke niso bile značilne samo za dela Grkov, ampak tudi za celotno neoklasično gibanje. Canovine neoklasične skulpture so integrirale preteklost v sedanjost. Preden pa spoznamo življenje in dela tega velikega kiparja, je pomembno, da se seznanimo z zgodovino neoklasicizma.
Začetki Antonia Canove: Neoklasično gibanje
Parnas Anton Raphael Mengs, 1761, preko muzeja Ermitaž, Sankt Peterburg
Neoklasično gibanje se je začelo v šestdesetih letih 17. stoletja s ponovnim odkritjem Pompejev leta 1748 s strani raziskovalcev na lovu za starodavnimi artefakti. Razkritje stenske freske med in po izkopavanjih v Pompejih je umetnike prisililo k izdelavi litografij kosov, da bi slike razširili po Evropi. Pompejanski slog je navdihoval umetnike tistega časa in nekatere vidike vsakdanjega življenja: francoska moda in dekoracija doma sta se na primer premaknila k bolj prefinjenim in elegantnim stilom preteklosti.
Ponovno odkritje Pompejev je navdihnilo tudi ponovno rojstvo stebrov, izdelanih po Grški klasični redovi .
Ilustracija jonskega reda iz Erehteja iz Atenskih antik (zv. 2), 1762-1816, skenirana s strani avtorja iz Evropske umetnosti devetnajstega stoletja: tretja izdaja Petre ten-Doesschate Chu
Trije vrstni redi so dorski, jonski in korintski stebri. Dorski stebri so najbolj znani po svoji preprostosti, obsegu in pripadnosti moči in moškemu. Jonski stebri so se v svoji nežnosti in spiralno oblikovanih spiralah, ki posnemajo dekliške lase, uskladili z ženstvenostjo. Korintski red je bil kombinacija drugih dveh redov, vendar z bolj dekorativnim slogom, vključno z zvončastimi volutami, izjemno podrobnim vencem in akantovimi listi, ki krasijo vrh.
Ali uživate v tem članku?
Prijavite se na naše brezplačno tedensko glasiloPridruži se!Nalaganje...Pridruži se!Nalaganje...Za aktivacijo naročnine preverite svoj nabiralnik
Hvala vam!Poleg tega je Johann Joachim Winckelmann, nemški umetnostni zgodovinar, ki je močno vplival na neoklasično gibanje, pospešil oživitev spoštovanja klasičnih stilov s svojo študijo razvoja klasične umetnosti prek primerjalnih raziskav. Na ta način se je neoklasicizem večinoma zgledoval po klasičnem in helenističnem obdobju grškega kiparstva.
Kdo Kaj Johann Joachim Winckelmann?
Portret Johanna Joachima Winckelmanna avtorica Angelica Kauffman, 1764, prek Britanskega muzeja v Londonu
Winckelmann je bil nemški umetnostni zgodovinar, arheolog in zgodnji helenist. Verjel je, da je klasična umetnost šla skozi evolucijo, ki je vključevala začetek, sredino in konec. Koncept je izhajal iz dejstva, da pompejske stenske poslikave niso ustrezale estetskim standardom grškega kiparstva. Obstajala je domneva, da so bile pompejske freske naslikane v času zatona klasične umetnosti.
Zgodovina antične umetnosti Johanna Joachima Winckelmanna , prva izdaja, objavljena leta 1764, preko Winckelmann-Museum, Stendal
je zapisal Winckelmann Zgodovina stare umetnosti , oz Zgodovina umetnosti v antiki (1764), ki je vplivalo tako na zgodovinarje, učenjake in umetnike. V tem delu je uporabil cikel življenja kot analogijo za oris zgodovine klasične umetnosti. Imelo je izvor, obdobje rasti in zrelosti ter končni zaton.
Ta knjiga je navdihnila številna umetniška in literarna dela zahvaljujoč Winckelmannovim opisom klasičnih skulptur. Njegovi spisi so vplivali na kiparje in slikarje, kot sta Antonio Canova in Anton Raphael Mengs . Izpostavil je idealne lastnosti kosov, z njihovo plemenito preprostostjo in umirjeno mogočnostjo ter čutnostjo.
Za Winckelmanna zibelka klasične umetnosti ni bila v Rimu, temveč v Grčiji, kjer se je rodila in kjer je dosegla vrhunec. Zaradi svoje strasti in natančnega preučevanja starogrških in rimskih del je Winckelmann lahko močno prispeval k napredku umetnikov, ki so hrepeneli po starih delih.
Grško in rimsko kiparstvo
Artemision Bron , približno 460 pr. n. št., prek Narodnega arheološkega muzeja v Atenah
Presenetljivo je, da veliko grških in rimskih bronastih predmetov ni bilo videti že pred vladavino rimskega imperija in križarskih vojn. Zakaj? Ker so bili mnogi pretopljeni za njihov bron, saj je bilo bron veliko povpraševanje za orožje in orodje. Toda kljub zahrbtnosti tega dejanja so bili Rimljani dovolj previdni marmorne kopije kar nekaj kipov. Seveda so bili originalni grški frnikole, kot je Kritios Fant, starodavni marmorni kip Kouros , in Nike iz Samotraka in . Vendar pa so njihovi bronasti izdelki najbolje izražali njihovo spretnost in filozofijo za um in telo v obdobju od klasičnega do helenističnega obdobja. Potem so tu še dela grških bronastih kiparjev, kot je Polykleitos in Lizip , čigar najpomembnejša dela je mogoče videti šele zdaj kot rimske marmorne kopije.
Rimska kopija Farneškega Herakleja (Herkul v mirovanju), ki ga je posnel Glykon (izvirni grški bron, ki ga je posnel Lizip), pozno 2. do zgodnje 3. stoletje našega štetja, prek Narodnega arheološkega muzeja v Neaplju
Vsaka rimska kopija grškega originalnega bronastega kipa ima oporo ali marmorno deblo, ki uravnoteži marmor. (Opornik je v zgodovini prevzel številne oblike, vendar je prtljažnik ena njegovih najbolj opaznih oblik). Zaradi izgubljenih tehnik grškega kiparstva Rimljani niso mogli pravilno uravnotežiti svojega marmorja in so namesto tega morali uporabiti opore. Dva primera tega lahko vidite v Farneški Heraklej , ki nima nujno opore, saj je palica del izvirnega komada, vendar prevzame enako vlogo kot opora; in Apollo Belvedere, ki ima na levi strani oporo. Pri grških bronastih izvirnikih je običajno bron pod nogami skulpture, ki jo drži - in jo tako prilepi na svoje mesto.
Diagram zlatega reza (Zlati pravokotnik in spirala), prek inštituta Pratt
Rimljani so posnemali slog Grkov, saj je bil že zdavnaj izpopolnjen. Ta popolnost ni izhajala le iz spretnosti, ampak tudi iz znanja o Zlata sredina , ali zlata sredina prek zlatega pravokotnika, in kar je prineslo idealno harmonijo, ravnotežje, simetrijo in sorazmerje. The Apolon Belvederski , Artemision Bron , in Anton Mengs' Parnas so vsi glavni primeri kosov, ki so strukturirani okoli zlatega reza. Kljub temu znanju so Rimljani spreminjali razmerja, da bi ustrezala lastnim občutkom. Po drugi strani pa so Grki cenili idealno telo in prefinjeno lepoto, telesa so oblikovali po tem, kar so dojemali kot podobo bogov in boginj.
Antonio Canova je uporabil ta starodavna pravila in tehnike, ki so jih prenesli njegovi predhodniki, da bi ustvaril dela, ki črpajo navdih iz preteklosti in prenašajo znanje o prihodnosti.
Več o Antoniu Canovi
Avtoportret kiparja Antonia Canove , 1812, preko The Art Institute of Chicago
Antonio Canova je bil italijanski neoklasični kipar, ki so ga sodobniki poznali kot vrhovnega ministra lepote. Canova je bolj užival v neoklasičnem umetniškem gibanju kot v Rokoko ali barok obdobja umetnosti, saj je med potovanjem po Italiji preučeval dela mojstrov, kot je Michelangelo, pa tudi pompejske freske. Veliko Canovinih zgodnjih del temelji na zavračanju zgolj kopiranja klasičnih grških tehnik. Poskušal je združiti preteklo filozofijo in razumevanje Grkov s svojim poznavanjem umetnosti rokokoja in baroka.
Antonio Canova je veljal za največjega kiparja svojega časa. Pred letom 1779 so njegova zgodnja dela kazala poznobaročno ali rokokojsko občutljivost, ki je bila privlačna za njegove mecene, beneške plemiče. En tak primer bi bil njegov Dedal in Ikar Neoklasična skulptura.
Canovin zalet z Gavinom Hamiltonom
Daedalus and Icarus Antonio Canova , 1777-1779, preko Museo Gipsoteca Antonio Canova, Possagno
Leta 1779 je Canova prvič obiskal Rim in srečal škotskega slikarja, antikvariata in beneškega veleposlanika. Gavin Hamilton na večerji. Junija naslednjega leta je Hamilton videl Canovo Dedal in Ikar in mu rekel :
Ljudska domišljija je prav tako resnica, tako kot je resnica čisto individualna podoba lepote ... združevanje naravnega in nenaravnega je idealno sredstvo za posredovanje naše ideje.
Hamiltonov popoln nasvet Canovi je bil veliko bolj poglobljen, toda v bistvu je Hamilton želel, da se odvrne od naturalizma in išče višjo obliko kiparske lepote. Ta Hamiltonov prispevek je razlog, zakaj se je Canovino delo za vedno spremenilo in zakaj se je njegovo delo lahko tako povzpelo.
Canova in The Apolon Belvederski : Neoklasično kiparstvo
Perzej z Meduzino glavo (Perseus Triumphant) Antonio Canova, 1800-01, preko Vatikanskega muzeja, Rim
Po njegovem trčenju z Gavinom Hamiltonom so kasnejša dela Antonia Canove začela prikazovati bolj idealizirano lepoto, ki je črpala navdih iz starih del. Canova Perzej z Meduzino glavo ni črpal navdiha samo iz opisov Apolon Belvederski ampak tudi Dobrodošel Cellini ’s Perzej in Meduza .
Primarne lastnosti, ki jih ima Canova Perzej podedovano od Apolon Belvederski vključujejo: pomanjkanje intenzivne muskulature z enakim idiličnim tipom telesa; velika uporaba draperije slap; skoraj enake poze, razen njihovih pelerin in predmetov, ki jih držijo (so zrcala drug drugega); in njihove zmagoslavne in samozadovoljne obrazne mimike.
Apollo Belvedere Rimska marmorna kopija grškega brona , pozno 4. st. pr. n. št. (marmorna kopija iz 18. st.), preko Vatikanskega muzeja v Rimu
Za boljše razumevanje pomena Apolon Belvederski , spodaj je izsek Winkelmannovega opisa skulpture, kot je napisan v Evropska umetnost devetnajstega stoletja (3. izdaja) Petra ten-Doesschate Chu:
Med vsemi antičnimi deli, ki so se izognila uničenju, je Apolonov kip najvišji ideal umetnosti ... Njegova postava je višja od človekove in njegova drža govori o veličini, s katero je napolnjen. Večna pomlad ... odene z čari mladosti, graciozno moškostjo zrelih let in se z mehkobo in nežnostjo poigrava s ponosno obliko njegovih udov ... (str. 50).
Winkelmann je skušal poudariti dvojni poudarek na čutnih in idealnih lastnostih grškega kiparstva, čeprav je lahko videl le rimske kopije mnogih uničenih bronastih predmetov. V tem času odhod v Grčijo ni bil mogoč zaradi vladavine Otomanski Turki .
Zlata leta Antonia Canove
Antonio Canova Tezej in Minotaver , 1781-1783, preko Muzeja Viktorije in Alberta v Londonu
Zlata leta Antonia Canove so bila res po Hamiltonu, saj je začel delati v okviru neoklasičnih kiparskih standardov, medtem ko je uporabljal grške ideale nebesne lepote in popolnosti. Canovino prvo delo po srečanju s Hamiltonom je bilo Tezej in Minotaver . To delo velja za njegovo prvo dejansko neoklasično skulpturo skupaj z Perzej z Meduzino glavo , ki ga je kmalu zatem produciral. Ob pogledu na ta del je očitno, da je Canova Hamiltonov nasvet vzel k srcu in poskušal priklicati tako naravno kot nenaravno lepoto. Ta kos se še vedno bolj nagiba k naravni ideji lepote; vendar pa ne gre tako daleč kot njegovo delo Dedal in Ikar .
Torej Antonio Canova Perzej z Meduzino glavo se lahko šteje za začetek njegove zlate dobe. Njegovo Perzej in vsa dela, ki so sledila, so razlog, zakaj je postal znan kot vrhovni minister lepote.
Psyche Revived by Cupid's Kiss (prva različica) Antonio Canova, 1787-93, preko Musée du Louvre, Pariz
Skulptura Psyche Revived by Cupid's Kiss prikazuje, kako je Canova resnično razumel Hamiltonove besede in kako je še naprej razvijal svoj slog, ki je šele začel kukati skozi Tezej in Minotaver . Njegovo delo na tej neoklasični skulpturi resnično izraža združevanje naravnega z nenaravnim. Telesom omogoča, da ohranijo bolj naravno razmerje, medtem ko njihovi obrazi, lasje in gibi izžarevajo nezemeljsko lepoto in nego.
Tezej in Kentaver Antonio Canova, 1810-1819, prek Umetnostnozgodovinskega muzeja na Dunaju
Med neoklasicističnim gibanjem je okus za dela, ki ponazarjajo rokokojski slog, ostal v polnem razmahu. Eden od vidikov, ki je najbolj zaznamoval umetnost rokokoja, je bila njena gledališka narava. Ker je Antonio Canova študiral rokoko, mu je ta gledališka občutljivost sledila v delih, kot je npr Tezej in Kentaver .
V primerjavi z njegovim Tezej in Minotaver se razlikuje od tega, kar so v preteklosti naredili številni rokokojski umetniki, saj prikazuje posledice bitke namesto bitke same. Tezej in Minotaver prikazuje Tezeja po tem, ko je ubil Minotavra (po nasvetu Hamiltona), ki sedi na njegovem uboju, v trenutku razmišljanja. V tistem trenutku se Tezej zave, da je zdaj izgubil nedolžnost in da mora razmisliti o svoji morali. Namesto upodabljanja veličine v bitki, npr Tezej in Kentaver , je v komadu mračna zamišljenost.
Tezej in kentaver (kentaver od blizu) Antonio Canova, 1810-1819, prek Umetnostnozgodovinskega muzeja na Dunaju
Zlasti ta del je povzročil ugibanja, da gre za kopijo grškega izvirnika. Tezej in Kentaver je bil tako dobro uravnotežen, oblikovan kot trikotnik v mejah zlatega reza, hkrati pa je imel raven podrobnosti, ki je ni nujno pričakovati od izvirne neoklasične skulpture. Zaradi podrobnosti o konju in mesu podobne narave teles se je del zdel nemogoč za tisti čas, zlasti zaradi pomanjkanja opore in celotne harmonije skulpture. Tezej in Kentaver zato velja za Canovin magnum opus in z razlogom.
Ko gre za to, so bila Canova dela mojstrska v njegovi zgodnji karieri, s poudarki, kot je npr Dedal in Ikar . Vendar pa brez vpogleda tistih, kot je Winckelmann, ali nasvetov Gavina Hamiltona ne bi bil to čudo, kar je postal. Antonio Canova je bil pravi virtuoz obrti, saj je ustvarjal dela, ki jih je mogoče ovekovečiti na enak način kot dela, ki so ga navdihnila.