7 impresivnih slikarjev severne renesanse in njihove mojstrovine

Detajl iz Spusta s križa avtor Rogier van der Weyden, pred letom 1443, preko muzeja Prado, Madrid

Ko govorimo o severni renesansi, mislimo na tehnične in umetniške inovacije, ki so se dogajale severno od Alp od sredine 14. stoletja do začetka 16. stoletja. Kljub temu zaznana dihotomija med Severno in Italijanski renesančni slikarji je v veliki meri sodoben izum. Vse do šestnajstega stoletja je burgundska Nizozemska zlahka veljala za kulturno jedro Evrope.

Ljubitelji umetnosti so danes morda navdušeni nad domnevno nadvlado italijanskih renesančnih slikarjev, kot je npr Leonardo da Vinci , Rafael , and Michelangelo. Toda v 15. stoletju so bili severnorenesančni slikarji v modi in uživali številna naročila italijanskih mecenov. Posebej zaželena je bila sposobnost severnjaških slikarjev, da posnemajo resničnost z izjemnim naturalizem – talent, ki je bil dobro dokumentiran po vsej Evropi.

Prvotni slikarji severne renesanse: bratje Limbourg

Lepe ure Jeana de Francea , duc de Berry (f.30r: Oznanjenje) avtorBratje Limbourg ,1405-09 prek Metropolitanskega muzeja umetnosti v New Yorku

Herman, Paul in Jean de Limbourg – bolj splošno znan kot Bratje Limbourg – so bili rojeni v Nijmegenu nekje med letoma 1385 in 1390. Medtem ko so se drugi renesančni slikarji na tem seznamu specializirali za olje na lesenih ploščah, so bili bratje Limbourg mojstri iluminacije rokopisov. Bili so izjemno nadarjeni iluminatorji in dobili so celo naročilo za ilustriranje Svetega pisma za burgundskega vojvodo Filipa Drznega. Vendar pa so bila najbolj znana naročila bratov za Philipovega brata, Jeana de Francea, Duc de Berryja (tudi brata francoskega kralja Karla V.). To so bili Lepe ure in Zelo bogate ure vojvode Berryjskega – nedvomno dva najbolj razkošna rokopisa, ohranjena iz srednjega veka .

Zelo bogate ure vojvode Berryja (februar), s podrobnostmi na desni, avtorBratje Limbourg ,1412-40, v muzeju Condé, Château de Chantilly

Zgornja slika je vzeta iz koledarskega dela Zelo bogate ure, natančneje meseca februarja. Ta fantastično podrobna stran ponazarja natančno opazovanje naravnega sveta bratov Limbourg. Pred petnajstim stoletjem so iluminacije rokopisov posvečale le malo pozornosti naravnim zakonom, pri čemer je imela verska simbolika prednost pred naturalizmom. Posledično ima naturalistično oljno slikarstvo, ki je cvetelo v severni renesansi skozi petnajsto stoletje, veliko zasluge inovacijam bratov Limbourg. Na žalost, Tres Riches Heures ni bil nikoli dokončan – brata sta morda umrla zaradi izbruha kuge leta 1416. Kljub temu so na umetnike, ki so sledili, močno vplivali bratje Limbourg, s slavnimi renesančnimi slikarji, kot sta Robert Campin in Jan van Eyck, ki so na svoji plošči črpali iz rokopisnih tradicij slike.

Ali uživate v tem članku?

Prijavite se na naše brezplačno tedensko glasiloPridruži se!Nalaganje...Pridruži se!Nalaganje...

Za aktivacijo naročnine preverite svoj nabiralnik

Hvala vam!

Robert Campin ali Mojster iz Flémalle

Portret moškega avtorja Robert Campin , 1435, preko Narodne galerije, London (levo); z Portret ženske avtorja Robert Campin , 1435, preko Narodne galerije, London (desno)

Robert Campin (1378/9 – 1444) je od leta 1406 deloval kot umetnik v Tournaiju. Campin in mojster Flémalle, ki sta nekoč veljala za različna posameznika, se zdaj na splošno domnevata, da sta eno in isto. Roberta Campina skupaj z Janom van Eyckom pogosto imenujejo utemeljitelj naturalističnega sloga slikarstva na ploščah, ki je uspeval v času severne renesanse, zlasti v Burgundska Nizozemska .

Triptih Merode Delavnica Roberta Campina , 1427-32, prek Metropolitanskega muzeja umetnosti v New Yorku

Triptih Merode , povezana z delavnico Roberta Campina, je ena najpomembnejših slik severne renesanse. Bila je ena najzgodnejših slik na ploščah, ki so upodabljale svetopisemski prizor (v tem primeru Oznanjenje) v naturalistični notranjosti, ki očitno ni bila cerkveni prostor. To bi postalo glavni motiv severne renesanse. Dejansko je bil triptih izjemno ploden v celotnem petnajstem stoletju, z elementi slike, ki so bili večkrat kopirani tako v slikah kot v rokopisih. V kolikšni meri je Campin delal na Triptih Merode sam ni znan. Kot je veljalo za slikarje severne renesanse, Robert Campin ni delal sam: bil je zadolžen za delavnico, ki je zaposlovala vajence in pomožne pomočnike pri delu. Cenjen renesančni slikar, ki je začel svojo umetniško kariero kot vajenec Roberta Campina, je bil nihče drug kot Rogier van der Weyden.

Rogier van der Weyden

Gravura avtoportreta Rogierja van der Weydna avtor Cornelis Cort, po van der Weydnu , 1572, preko muzeja Prado, Madrid

Rogier van der Weyden (okoli 1399-1464) je med letoma 1427 in 1432 služil kot vajenec pri Robertu Campinu v Tournaiju. Potem je verjetno nasledil svojega učitelja in postal eden največjih slikarjev severne renesanse, leta 1435 pa Rogier van der Weyden je postal uradni slikar v mestu Bruselj. Rogierja je poleg svojega sodobnika Jana van Eycka zelo hvalil Giorgio Vasari v svoji pomembni knjigi, Življenja umetnikov. Skozi stoletja je bila najbolj dokumentirana Rogierjeva sposobnost prenašanja človeških čustev v svoje slike in bil je znan po svojih žalostnih upodobitvah Kristusovega trpljenja. Tudi na Rogierjevem graviranem portretu, ki je nastal dolgo po njegovi smrti, je umetnik upodobljen pred čustvenim portretom Device, ki stiska pokojnega Kristusa.

Spust s križa avtorja Rogier van der Weyden , pred 1443 preko muzeja Prado, Madrid

Rogerjeva Sestop s križ s, ustvarjen za Archer’s Guild v Leuvenu, je bil monumentalno in impresivno umetniško delo. Trenutno je v Museo del Prado v Madridu, kupil pa ga je Španski Filip II leta 1555 za monumentalno vsoto – očitno cenjen zbirateljski primerek celo v šestnajstem stoletju! Slika prikazuje Kristusa, ki ga nosijo s križa po križanju, in je vzvišen primer Rogierjevih čustvenih sposobnosti. Devica Marija (na Kristusovi levi) omedli, ko jo preplavi žalost zaradi izgube sina. Njeno čustveno trpljenje je zaradi njunih fizičnih oblik enako Kristusovemu fizičnemu trpljenju: poglejte, kako telesna položaja matere in sina posnemajo drug drugega in liki, ki naseljujejo sliko, točijo žalostne solze. Naravoslovne zmožnosti Rogierja van der Weydna, ki so ga zadnja leta imenovali Mojster strasti, je presegel le Jan van Eyck.

Jan van Eyck

Portret moškega (avtoportret?) avtorja Jan van Eyck , 1433, preko Narodne galerije v Londonu.

Jan van Eyck (približno 1390 – 1441): eden najbolj vzvišenih slikarjev severne renesanse v svojem času in zagotovo najbolj slavljen danes. Domneva se, da je zgornja slika avtoportret Jana van Eycka, njen okvir pa je vpisan s stavkom Als Ich Can. V prevodu As (najbolje kot) lahko ali As Eyck Can je hkrati skromen moto o naravi umetnosti in pametna igra umetnikovega priimka. Van Eyck, uradni dvorni slikar burgundskega vojvode, je ustvaril številna naročila za premožne posameznike. Številne Van Eyckove slike so bile izjemno vplivne in so povzročile številne kopije in poklone. Med mojstrovinami, kot je npr Gentski oltar ,eno od Van Eyckovih najvplivnejših umetniških del je bilo njegovo Portret Arnolfinija.

Portret Arnolfinija, s podrobnostmi na desni, avtorja Jan van Eyck , 1434, preko Narodne galerije v Londonu

Slika Giovannija Arnolfinija, bogatega trgovca iz Lucce, ki živi v Bruggeu, in njegove žene je v preteklih letih pritegnila veliko pozornosti. Slavni umetnostni zgodovinar Erwin Panofsky je mislil, da prikazuje poroko in podobo pogosto napačno imenujejo Arnolfinijeva poroka. Vendar pa je teorija o poroki na splošno diskreditirana in delo naj bi bilo vizualna izjava o precejšnjem bogastvu figur. Ženska ni noseča, kot se pogosto misli, ampak kot statusni simbol nosi pretirano količino razkošnega in dragega blaga. Dvojni portret naj bi bil prvi posvetni portret – saj v ospredju ne prikazuje svetopisemskega subjekta. Še več, nad ogledalom se je podpisal Jan van Eyck. Van Eyck in njegovi sodobniki so bili med prvimi umetniki, ki so podpisali svoja dela, s čimer so bili pionirji tradicije, ki se nadaljuje še danes.

Dieric Bouts

Portret Dierica Boutsa avtor Cornelis Cort , 1572, prek Britanskega muzeja v Londonu

Dieric Bouts (okoli 1400–1475) je verjetno najbolj podcenjen med zgodnji nizozemskimi mojstri. Kljub temu je imel izjemen vpliv na prihodnost Nizozemska zlata doba slikarstvu in je bil prav tako navdih za svoje italijanske sodobnike. Proti koncu svojega življenja je Bouts postal uradni slikar v mestu Leuven – podobno kot njegov sodobnik Rogier van der Weyden, ki je imel delavnico manj kot 20 milj stran v Bruslju.

Oltarna slika svetega zakramenta Dieric Bouts , 1464-1468 , prek muzej Leuven (levo); z Portret moškega (Jan van Winckele?) avtorja Dieric Bouts , 1464, preko Narodne galerije, London (desno)

Ena od številnih inovacij Dierica Boutsa je bila uporaba perspektive ene točke v njegovem Zadnja večerja oltarna slika v Leuvenu. Enotočkovna perspektiva je že bila stalnica italijanskih renesančnih slikarjev, vendar je bil Bouts prvi, ki je z njo resnično eksperimentiral severno od Alp. Vendar pa je Bouts morda najbolj znan po svojem napredku v žanru portretiranja in krajinskega slikarstva. Njegova pozornost do podrobnosti v njegovem naravnem ozadju je tlakovala pot krajinskim slikarjem nizozemske zlate dobe. Poleg tega je njegova 1462 Portret moškega , za katerega se domneva, da je Jan van Winckele, je najzgodnejši portret, ki prikazuje pokrajinski pogled skozi okno. Ta je kmalu postala plodna kompozicija v petnajstem in šestnajstem stoletju, popularizirali pa so jo nizozemski in italijanski renesančni slikarji.

Hieronim Bosch

Portret Hieronymusa Boscha avtor Cornelis Cort , 1572 prek Britanskega muzeja v Londonu

Hieronymus Bosch se je rodil sredi petnajstega stoletja v mestu malo zunaj Antwerpna v današnji Belgiji. Od vseh nizozemskih mojstrov je imel Bosch nedvomno najbolj daljnosežen in nepričakovan vpliv. Njegova dela so bila več kot 400 let po nastanku znana kot velik vpliv na nadrealistično gibanje. Bosch je izumil fantastične panorame, poseljene z množico figur, vključno z nenavadnimi, pogosto grotesknimi bitji. Eden takih primerov je njegov Vrt zemeljskih užitkov .

Vrt zemeljskih užitkov avtor Hieronymus Bosch , 1490-1500 preko muzeja Prado, Madrid

The Vrt zemeljskih užitkov je Boschevo najbolj obsežno in zapleteno umetniško delo: toliko se dogaja na sliki, da se je težko odločiti, kam najprej pogledati! Leva plošča prikazuje edenski raj z Adamom in Evo z Bogom Očetom v ospredju. Desna plošča prikazuje peklensko pokrajino z množico kazni, ki se izvajajo hkrati. Osrednja plošča prikazuje nekaj, kar se na prvi pogled prav tako zdi raj. Vendar je plošča prepojena z vizijami poželenja, grešnega dejanja. Na vseh treh ploščah je Bosch ustvaril bizarne nehumanoidne figure in nenavadno arhitekturo, ki bi lahko zavedle oko, da bi mislili, da gledamo delo nadrealist slikar, Salvador Dali.

Jan Gossaert: Zadnji izmed slikarjev severne renesanse?

Portret moškega (avtoportret?) avtor Jan Gossaert, 1515-20, v Muzeju umetnosti Currier v Manchestru, prek spletne galerije umetnosti

Jan Gossaert (1478-1532), francosko govoreči slikar iz Nizekih dežel, se pogosto pripisuje zaslugam, da je italijansko renesanso prinesel v severno Evropo. Leta 1508 je Gossart začel delati kot dvorni slikar za Filipa Burgundskega. Oktobra istega leta se je Filip odpravil na diplomatski obisk v Vatikan, zato je Gossart s svojim mecenom odpotoval v Rim. Nekoč v Italiji je Jeana Gossarta nedvomno navdihnilo italijansko nagnjenje do antike.

Adam in Eva avtorja Jan Gossaert , 1520, preko Narodne galerije, London (levo); z Sveti Luka slika Madono avtorja Jan Gossaert , 1520, preko Kunsthistorisches Museum, Dunaj (desno)

Jana Gossaerta Adam in Eva so po obliki bližje figuram italijanskih renesančnih slikarjev kot recimo figure Jana van Eycka v Gentski oltar. Dejansko Gossaertovi akti kažejo statue, mišičaste oblike, ki so bolj povezane z antiko, in Evini dolgi tekoči kiki veliko bolj spominjajo na Botticellijevo Venera kot katerikoli severnjaški portret.

Podobno tudi v njegovem Sveti Luka slika Madono , se Gossaertova arhitektura drži stroge kompozicijske perspektive, ki je bila priljubljena v italijanskih krogih (katerega so umetniki severne renesanse večinoma ignorirali). Poleg tega močno okrašeni in zaobljeni oboki notranje sobe spominjajo na stebre in templje iz antike bolj kot na dodelano gotsko arhitekturo, ki je takrat še vedno cvetela v severni Evropi.

Tako so se po Janu Gossaertu srednjeveški občutki, ki so prevladovali v izražanju severne renesanse, verjetno zmanjšali in preobrnili v korist ponovno oživilo zanimanje za klasične oblike antike . Kljub temu bo zapuščina slikarjev severne renesanse živela še stoletja.