6 ikoničnih umetnic, ki bi jih morali poznati

mami , kip umetnice Louise Bourgeois

Maman, skulptura umetnice Louise Bourgeois. Pločnik slavnih iz umetnostne zgodovine je tlakovan z imeni moških umetnikov, vendar začenja zbirati več umetnic. Na splošno predstavo o moškem mojstru in mojstrovini močno vpliva dejstvo, da v naših šolskih učbenikih in v najpomembnejših muzejskih galerijah njune ženske dvojnice skorajda povsem manjkajo.

Umetnice danes

V filmski industriji je premajhna zastopanost žensk v vodilnih vlogah režiserk in producentk v zadnjih nekaj letih povzročila številne valove ogorčenja. Hashtagi, ki se pojavljajo na družbenih medijih, kot je npr #OskarjiTakoMoški kažejo, da obstaja veliko povpraševanje po večji prepoznavnosti žensk.

Enako velja za umetniško industrijo, čeprav negodovanje ni tako glasno kot v Hollywoodu. Eden od razlogov za to bi lahko bil, da je vsaj v moderni in sodobni umetnosti prišlo do počasnejšega in vztrajnejšega premika k predstavljanju več žensk. Že leta 1943. Peggy Guggenheim organizirala izključno žensko razstavo v svoji zloglasni newyorški galeriji Umetnost tega stoletja , vključno s prispevki iz Dorothea Tanning in Frida Kahlo . Ta pionirski podvig, imenovan 31 Ženske , je bil prvi te vrste zunaj Evrope. Od takrat se je veliko spremenilo. Danes je veliko galerij, ki predstavljajo vse več umetnic. Prav tako je več žensk, ki sodelujejo na prestižnih umetniških festivalih in osvajajo pomembne nagrade.

Velika utrujenost, Camille Henrot, 2013, prek camillehenrot.fr

Vendar so umetnice v muzejski krajini še vedno premalo zastopane. Podjetje za informacije o trgu umetnosti Artnet je v analizi razkril, da so med letoma 2008 in 2018 le 11 odstotkov vseh del, ki so jih pridobili vrhunski ameriški muzeji, ustvarile ženske. Kar zadeva zgodovinsko razumevanje umetnosti, je torej treba narediti še veliko dela, da bi povečali prepoznavnost umetnic in njihovega dela.

Tukaj je pregled mojih najljubših umetnic v vsej umetnostni zgodovini, vse do danes, ki jih cenim zaradi njihovega obvladovanja več medijev, zaradi njihovega konceptualnega razmišljanja, zaradi njihove obravnave tem, osredotočenih na ženske, in s tem zaradi ustvarjanja izjemnega in edinstvenega opusa. .

Camille Henrot

V Franciji rojena sodobna umetnica Camille Henrot slovi po delu z različnimi mediji, od filma do asemblaža in kiparstva. Podala se je celo v ikebano, tradicionalno japonsko tehniko aranžiranja cvetja. Čeprav je tisto, zaradi česar je njeno delo resnično izjemno, njena sposobnost združevanja na videz nasprotujočih si idej. V svojih kompleksnih umetninah postavlja filozofijo proti pop kulturi in mitologijo proti znanosti. Osnovna, vseobsegajoča ideja njenih umetnin ni nikoli preveč očitna. Camille Henrot je mojstrica elegantnega zavijanja, ustvarjanja subtilnih in mističnih atmosfer. Šele ko se boste poglobili vanje, boste lahko povezali pike.

Za najboljšo ilustracijo vzemimo primer: med letoma 2017 in 2018 je Camille Henrot v Palais de Tokyo v Parizu razstavljala Carte Blanche z naslovom Dnevi so psi . Prevpraševala je razmerja avtoritete in fikcije, ki določajo naš obstoj, in za organizacijo lastne razstave vzela eno najbolj temeljnih struktur našega življenja – teden. Medtem ko so leta, meseci in dnevi strukturirani po naravni danosti, je teden, nasprotno, fikcija, človeška iznajdba. Vendar pripoved, ki stoji za njim, ne zmanjša njegovih čustvenih in psiholoških učinkov na nas.

Bleda lisica, Camille Henrot, 2014, fotografija Andy Keate prek camillehenrot.fr

V eni izmed sob je svojo instalacijo razstavila Camille Henrot Bleda lisica , ki ga je pred tem naročila in producirala galerija Chisenhale. Uporabila ga je za prikaz zadnjega dne v tednu – nedelje. To je poglobljeno okolje, zgrajeno na prejšnjem projektu Camille Henrot Grosse Fatigue (2013) – filmu, nagrajenem z Srebrni lev na 55. beneškem bienalu. Medtem ko Grosse Fatigue pripoveduje zgodbo o vesolju v trinajstih minutah, je The Pale Fox meditacija o naši skupni želji po razumevanju sveta skozi predmete, ki nas obdajajo. Nabirala je osebni material in ga nadgrajevala po presežku principov (glavne smeri, življenjska obdobja, Leibnizova filozofska načela), ustvarjala fizično izkušnjo neprespane noči, kataloško psihozo. Na svoji spletni strani navaja, da sem se z The Pale Fox nameravala posmehovati dejanju izgradnje skladnega okolja. Kljub vsemu trudu in dobri volji se vedno konča s kamenčkom, zataknjenim v enem čevlju.

Ali uživate v tem članku?

Prijavite se na naše brezplačno tedensko glasiloPridruži se!Nalaganje...Pridruži se!Nalaganje...

Za aktivacijo naročnine preverite svoj nabiralnik

Hvala vam!

Haris Epaminondas

Delo ciprskega umetnika se osredotoča na obsežne kolaže in večplastne instalacije. Za mednarodno razstavo na 58. beneški bienale , je združila najdene materiale, kot so skulpture, keramika, knjige ali fotografije, ki jih je uporabila za skrbno sestavo ene od njenih značilnih instalacij.

vol. XXII, Haris Epaminonda, 2017, fotografija Tony Prikryl

Podobno kot pri Camille Henrot tudi njene skladbe ne razkrijejo svojega temeljnega pomena takoj. Vendar pa se njeno delo od dela Camille Henrot razlikuje po tem, da svojih predmetov ne vgrajuje v zapletene pripovedi in konceptualne teorije. Namesto tega so njene instalacije organizirane na veliko enostavnejši način in vzbujajo občutek minimalističnega reda. Šele po natančnejšem ogledu posameznih predmetov boste opazili protislovja v ozadju navidez popolne estetike. Haris Epaminonda za svoje kompozicije uporablja najdene predmete, ki bi bili v tradicionalnem razumevanju drug drugemu povsem nenavadni. Na primer, lahko najdete bonsaj, ki stoji poleg grškega stebra na skoraj naraven način. Umetnica svoje objekte zapleta v mrežo zgodovinskih in osebnih pomenov, ki so javnosti in verjetno tudi njej sami neznani. Čeprav Haris Epaminonda ne ignorira implicitnih zgodb svojih predmetov, jim raje pusti, da svojo notranjo moč izvajajo.

VOL. 27., Haris Epaminonda, 2019, prek moussemagazine.it

Haris Epaminonda je za svoj tridesetminutni video Chimera zmagala na 58. beneškem bienalu. Srebrni lev nagrado za obetavnega mladega udeleženca in je od takrat ena mednarodnih padajočih zvezd sodobne umetnosti.

Prijem Akunyilija Crosbyja

Njideka Akunyili Crosby se je rodila v Nigeriji in trenutno živi in ​​dela v Los Angelesu. Kot najstnica je njena mama zadela na loteriji zelene karte, kar je celotni družini omogočilo, da se je preselila v ZDA. Akunyili Crosby v svojih slikah odraža svoje izkušnje kot članica sodobne nigerijske diaspore. Na velikanske površine papirja nanese več plasti, da upodablja portrete in domače interierje, pri čemer postavlja globino in ploskost.

Ta umetnica dela z mešano tehniko, ki med drugim vsebuje fotografske transferje, barve, kolaže, risbo s svinčnikom, marmorni prah in blago. Tako umetnica ustvarja izjemne slike, ki ponazarjajo precej običajne, domače teme, v katerih upodablja sebe ali svojo družino. Pri njenem delu gre pravzaprav za kontraste, tako formalno kot vsebinsko. Če si podrobneje ogledate podrobnosti njenih slik, boste našli predmete, kot je radiator iz litega železa, ki nakazuje mrzle zime v New Yorku, ali na primer parafinsko svetilko na mizi, ki je črpana iz spominov Akunyili Crosby na Nigerijo.

Mama, mumija in mama (predhodniki št. 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, prek njikedaakunyilicrosby

Vendar pa kontrasti niso omejeni samo na zgoraj omenjeno: do leta 2016 je nenadno veliko povpraševanje po delu Akunyili Crosby, ki ga ustvarja počasi, prevladalo nad ponudbo. To je povzročilo, da so cene njenih umetnin na trgu eksplodirale. Vrhunec je dosegel s prodajo ene od njenih slik na dražbi sodobne umetnosti Sotheby's leta november 2016 za skoraj 1 milijon dolarjev, s čimer je postavil nov rekord izvajalcev. Samo šest mesecev pozneje je zasebni zbiralec prodal delo za okoli 3 milijone dolarjev Christie's London leta 2018 pa je prodala še eno sliko za okoli 3,5 milijona dolarjev Sotheby's New York .

Louise Bourgeois

Francosko-ameriška umetnica je najbolj znana po svojih velikih skulpturah, najbolj znan pa je velikanski bronasti pajek 'Louise Bourgeois Spider' z naslovom Maman, ki nenehno potuje po svetu. Z devetimi metri višine je ustvarila preveliko, metaforično upodobitev lastne matere, čeprav umetniško delo sploh ne razkriva tragičnega odnosa med materjo in hčerko. Nasprotno: kip je poklon lastni materi, ki je delala kot restavratorka tapiserij v Parizu. Tako kot pajki je Bourgeoisova mama obnavljala tkivo – znova in znova. Umetnik je tako pajke dojemal kot zaščitniška in koristna bitja. Življenje je sestavljeno iz izkušenj in čustev. Predmeti, ki sem jih ustvaril, jih naredijo oprijemljive, je nekoč dejala Bourgeoisova, ko je pojasnila svoje umetniško delo.

Mama, Louise Bourgeois, 1999, prek guggenheim-bilbao.eus

Poleg ustvarjanja kipov je bila tudi plodovita slikarka in grafika. V letih 2017 in 2018 je Muzej moderne umetnosti v New Yorku (MoMA) posvetil retrospektivi umetničinega manj znanega opusa, imenovanemu An Unfolding Portrait, ki se je večinoma osredotočil na njene slike, skice in grafike.

Moje notranje življenje, Louise Bourgeois, 2008, prek moma.org

Ne glede na to, kateri medij je uporabljal večnadarjeni umetnik, se je Bourgeois večinoma osredotočal na raziskovanje tem, ki se vrtijo okoli domačnosti in družine, spolnosti in telesa, pa tudi smrti in nezavednega.

Gabriele Munter

Če veš Vasilij Kandinski , Gabriele Münter vam ne bi smela biti nič manjše ime. V skupini je bila na čelu ekspresionistična umetnica Modri ​​jezdec (Modri ​​jezdec) in delala skupaj s Kandinskim, ki ga je spoznala med poukom na šoli Phalanga v Münchnu, avantgardni ustanovi, ki jo je ustanovil ruski umetnik.

Portret Gabriele Münter, Vasilij Kandinski, 1905, prek Wikimedia Commons

Kandinski je bil prvi, ki je v začetku 20. stoletja opazil slikarske sposobnosti Gabriele Münter. Njun profesionalni odnos – ki je sčasoma prerasel tudi v osebnega – je trajal skoraj desetletje. V tem času se je Gabriele Münter naučila delati s paletnim nožem in debelimi potezami čopiča ter uporabljati tehnike, ki jih je izpeljala iz Francozov. Velike mačke .

Z novo pridobljenim znanjem je začela slikati pokrajine, avtoportrete in domače interierje v bogatih barvah, poenostavljenih oblikah in drznih linijah. Čez nekaj časa je Gabriele Münter razvila globlje zanimanje za slikanje duha sodobne civilizacije, ki je pogosta tema ekspresionističnih umetnikov. Tako kot je življenje samo kumulacija minljivih trenutkov, je začela zajemati trenutne vizualne izkušnje, praviloma na hiter in spontan način.

Rumena hiša (Rumena hiša), Gabriele Münter, 1908, prek Wikiarta

Da bi vzbujala občutke, je uporabljala žive barve in ustvarjala poetične pokrajine, bogate s fantazijo in domišljijo. Odnos Gabriele Münter in Kandinskega je močno vplival na delo ruskega umetnika. Začel je prevzemati uporabo nasičenih barv Gabriele Münter in njen ekspresionistični slog v svojih slikah.

Njuno razmerje se je končalo, ko je moral Kandinski med prvo svetovno vojno zapustiti Nemčijo in se je tako moral vrniti v Rusijo. Od takrat sta tako Gabriele Münter kot Kandinsky živela ločeno drug od drugega, vendar je njun medsebojni vpliv na dela drug drugega ostal.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp je verjetno ena najbolj multitalentiranih umetnic v zgodovini umetnosti. Med drugim je delovala kot slikarka, kiparka, tekstilna in scenografka ter plesalka.

Scenografija za König Hirsch (The Stag King), Sophie Taeuber-Arp, 1918, fotografija E. Lincka. Švicarska umetnica je začela kot inštruktorica za vezenje, tkanje in oblikovanje tekstilij na Univerzi za umetnost v Zürichu. Leta 1915 je spoznala svojega bodočega moža Jean Hans Arp , ki je med prvo svetovno vojno pobegnil pred nemško vojsko in se pridružil Dadaistično gibanje . On jo je seznanil z gibanjem in nato je sodelovala pri predstavah, ki jih je organiziral Dadaisti v Cabaretu Voltaire. Prispevala je kot plesalka, koreografinja in lutkarica. Oblikovala je tudi lutke, kostume in scenografijo za svoje in predstave drugih umetnikov na Kabaret Voltaire .

Poleg nastopanja na dadaističnih dogodkih je Sophie Taeuber-Arp ustvarila tekstilna in grafična dela, ki sodijo med najzgodnejša konstruktivistična dela v umetnostni zgodovini, poleg tistih Pieta Mondriana in Kasimirja Maleviča.

Gleichgewicht (Ravnotežje), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, prek Wikimedia Commons. Bila je tudi ena prvih umetnic, ki je v svojih delih uporabila pikice. Sophie Taeuber-Arp je imela izjemno razumevanje za prefinjene geometrijske oblike, za abstrakcijo in za uporabo barv. Njena dela so pogosto veljala za pionirska in hkrati vesela.

Leta 1943 je Sophie Taeuber-Arp umrla zaradi nesreče v hiši Maxa Billa. Z možem sta se odločila, da bosta prenočila, ko je bilo že pozno. Bila je mrzla zimska noč in Sophie Taeuber-Arp je v svoji majhni sobi prižgala staro peč. Naslednji dan jo je mož našel mrtvo zaradi zastrupitve z ogljikovim monoksidom.

Sophie Taeuber-Arp in njen mož Jean Arp sta med različnimi skupnimi projekti zelo tesno sodelovala. Bila sta eden redkih parov v umetnostni zgodovini, ki ni ustrezal tradicionalni vlogi umetnika in njegove muze. Namesto tega sta se srečala v višini oči in njuni prijatelji umetniki so ju enako spoštovali in cenili – Marcel Duchamp in Joan Miro dva izmed njih – in umetnostni kritiki za svoja dela