54 slavnih slik znanih umetnikov

Če ste v življenju slavni umetnik, ni zagotovilo, da se vas bodo drugi umetniki spomnili. Ste že slišali za francoskega slikarja Ernesta Meissonierja?

Bil je sodobnik Edouarda Maneta in daleč uspešnejši umetnik glede priznanja kritikov in prodaje. Velja tudi obratno, z Vincentom van Goghom. Van Gogh se je zanašal na svojega brata Thea, da mu je priskrbel barve in platna, a danes njegove slike dosegajo rekordne cene, ko se znajdejo na umetniški dražbi, in on je znano ime.

Če pogledate znane slike iz preteklosti in sedanjosti, se lahko naučite marsičesa, vključno s sestavo in ravnanjem z barvo. Čeprav je verjetno najpomembnejša lekcija ta, da morate na koncu slikati zase, ne za trg ali potomce.

'Nočna straža' - Rembrandt

'Nočna straža' Rembrandta. Olje na platnu. V zbirki Rijksmuseuma v Amsterdamu. Rijksmuseum Amsterdam

Slika 'Nočna straža' avtorja Rembrandt je v Rijksmuseum v Amsterdamu. Kot prikazuje fotografija, gre za ogromno sliko: 363 x 437 cm (143 x 172'). Rembrandt dokončal leta 1642. Njegov pravi naslov je »Družba Fransa Banninga Cocqa in Willema van Ruytenburcha«, vendar je bolj znan kot Nočna straža . (Četa, ki je miličniška straža).

Kompozicija slike je bila za to obdobje zelo različna. Namesto da bi figure prikazal na urejen, urejen način, kjer so imeli vsi enak pomen in prostor na platnu, jih je Rembrandt naslikal kot zaposleno skupino v akciji.

Okoli leta 1715 je bil na 'nočno stražo' naslikan ščit z imeni 18 ljudi, vendar so bila le nekatera imena identificirana. (Torej, ne pozabite, če slikate skupinski portret: na hrbtno stran narišite diagram z imeni vseh, da bodo prihodnje generacije vedele!) Marca 2009 je nizozemski zgodovinar Bas Dudok van Heel končno razvozlal skrivnost, kdo je kdo na sliki. Njegova raziskava je celo odkrila dele oblačil in dodatkov, upodobljene v 'Nočni straži', omenjeni v popisih družinskih posestev, ki jih je nato primerjal s starostjo različnih vojakov v letu 1642, v letu, ko je bila slika dokončana.

Dudok van Heel je tudi odkril, da je bilo v dvorani, kjer je bila prvič obešena Rembrandtova 'Nočna straža', šest skupinskih portretov milice, prvotno prikazanih v neprekinjeni seriji, ne šest ločenih slik, kot se je dolgo mislilo. Namesto tega je šest skupinskih portretov Rembrandta, Pickenoya, Bakkerja, Van der Helsta, Van Sandrarta in Flincka oblikovalo neprekinjen friz, ki se je ujemal z drugim in je bil pritrjen na leseni opaž sobe. Ali pa je bil to namen. Rembrandtova 'Nočna straža' se ne ujema z drugimi slikami niti po kompoziciji niti po barvi. Zdi se, da se Rembrandt ni držal pogojev svojega naročila. Toda če bi ga imel, nikoli ne bi imeli tega osupljivo drugačnega skupinskega portreta iz 17. stoletja.

'Hare' - Albrecht Durer

Albrecht Dürer, Hare, 1502. Akvarel in gvaš, čopič, poudarjen z belim gvašem. Albertinski muzej

Običajno imenovan Dürerjev zajec, uradni naslov te slike pa je zajec. Slika je v stalni zbirki g Zbirka Batliner od Albertinski muzej na Dunaju v Avstriji.

Naslikana je bila z akvarelom in gvašem, pri čemer so bili beli poudarki narejeni z gvašem (namesto da bi bili nepobarvani beli papir).

To je spektakularen primer, kako je mogoče barvati krzno. Če želite to posnemati, je pristop, ki ga boste izbrali, odvisen od tega, koliko potrpljenja imate. Če imate oodle, boste barvali s tankim čopičem, las za lasom. V nasprotnem primeru uporabite tehniko suhega krtačenja ali razdelite dlake na krtačo. Potrpežljivost in vzdržljivost sta bistveni. Prehitro delajte na mokri barvi in ​​pri posameznih potezah obstaja tveganje, da se bodo zlile. Ne nadaljujte dovolj dolgo in krzno se bo zdelo izrabljeno.

Freska na stropu Sikstinske kapele - Michelangelo

Gledano kot celota je stropna freska Sikstinske kapele osupljiva; enostavno je preveč, da bi vzeli in zdi se nepredstavljivo, da je fresko oblikoval en umetnik. Franco Origlia / Getty Images

Michelangelova poslikava stropa Sikstinske kapele je ena najbolj znanih fresk na svetu.

Sikstinska kapela je velika kapela v Apostolski palači, uradni rezidenci papeža (vodja katoliške cerkve) v Vatikanu. V njej je veliko fresk, ki so jih naslikala nekatera največja imena renesanse, vključno s stenskimi freskami Berninija in Rafaela, vendar je najbolj znana po freskah na stropu Michelangela.

Michelangelo se je rodil 6. marca 1475 in umrl 18. februarja 1564. Michelangelo je delal po naročilu papeža Julija II. strop Sikstinske kapele od maja 1508 do oktobra 1512 (med septembrom 1510 in avgustom 1511 ni bilo dela). Kapela je bila slovesno odprta 1. novembra 1512, na praznik vseh svetih.

Kapela je dolga 40,23 m, široka 13,40 m, strop pa je na najvišji točki 20,70 m nad tlemi.¹. Michelangelo je naslikal vrsto svetopisemskih prizorov, prerokov in Kristusovih prednikov, pa tudi trompe l'oeil ali arhitekturne elemente. Glavni del stropa prikazuje zgodbe iz zgodb Geneze, vključno z ustvarjanjem človeštva, padcem človeka iz milosti, potopom in Noetom.

Strop Sikstinske kapele: detajl

Adamovo ustvarjanje je morda najbolj znana plošča v znameniti Sikstinski kapeli. Upoštevajte, da kompozicija ni središča. Fotopress / Getty Images

Plošča, ki prikazuje stvarjenje človeka, je verjetno najbolj znan prizor na znameniti Michelangelovi freski na stropu Sikstinske kapele.

Sikstinska kapela v Vatikanu ima veliko fresk, vendar je najbolj znana po freskah na stropu Michelangela. Vatikanski umetnostni strokovnjaki so med letoma 1980 in 1994 izvedli obsežno restavriranje, pri čemer so odstranili stoletja vreden dim iz sveč in prejšnjih restavratorskih del. To je razkrilo barve veliko svetlejše, kot so mislili prej.

Pigmenti, ki jih je Michelangelo uporabljal, so vključevali oker za rdeče in rumene, železove silikate za zelene, lapis lazuli za modre in oglje za črne.¹Ni vse naslikano tako podrobno, kot se zdi na prvi pogled. Na primer, figure v ospredju so naslikane bolj podrobno kot tiste v ozadju, kar prispeva k občutku globine v stropu.

Več o Sikstinski kapeli:

• Vatikanski muzeji: Sikstinska kapela
• Virtualni ogled Sikstinske kapele

Viri:
1 Vatikanski muzeji: Sikstinska kapela, spletna stran Vatikanske mestne države, dostopano 9. septembra 2010.

Beležnica Leonardo da Vinci

Ta majhen zvezek Leonarda da Vincija (uradno označen kot Codex Forster III) je v muzeju V&A v Londonu. Marion Boddy-Evans / licencirano za About.com, Inc.

Renesančni umetnik Leonardo da Vinci ni znan le po svojih slikah, ampak tudi po svojih beležnicah. Ta fotografija prikazuje enega v muzeju V&A v Londonu.

Muzej V&A v Londonu ima v svoji zbirki pet zvezkov Leonarda da Vincija. Tega, znanega kot Codex Forster III, je uporabljal Leonardo da Vinci med letoma 1490 in 1493, ko je delal v Milanu za vojvodo Ludovica Sforzo.

To je majhen zvezek, takšne velikosti, da bi ga zlahka shranili v žep plašča. Poln je najrazličnejših zamisli, zapiskov in skic, vključno s »skicami konjskih nog, risbami klobukov in oblačil, ki so morda bile ideje za kostume na balih, in opisom anatomije človeške glave.«¹Medtem ko v muzeju ne morete listati strani zvezka, ga lahko listate na spletu.

Branje njegovega rokopisa ni preprosto, med kaligrafskim slogom in njegovo uporabo zrcalne pisave (nazaj, od desne proti levi), vendar se nekaterim zdi fascinantno, ko vidijo, kako vse sorte zlaga v en zvezek. To je delovni zvezek, ne razstavni eksponat. Če vas je kdaj skrbelo, da vaš dnevnik ustvarjalnosti ni bilo nekako pravilno izvedeno ali organizirano, prevzemite vodstvo od tega mojstra: naredite to, kot potrebujete.

<sub>Vir:
1. Raziščite Forsterjeve kodekse, muzej V&A. (Dostopano 8. avgusta 2010.)</sub>

'Mona Lisa' - Leonardo da Vinci

'Mona Lisa' Leonarda da Vincija. Naslikano c.1503-19. Oljna barva na lesu. Velikost: 30x20' (77x53 cm). Ta znamenita slika je zdaj v zbirki pariškega Louvra. Stuart Gregory / Getty Images

Leonardo da Vinci Njegova slika 'Mona Lisa' v pariškem Louvru je verjetno najbolj znana slika na svetu. Verjetno je tudi najbolj znan primer niansiran , slikarska tehnika, ki je deloma odgovorna za njen skrivnosten nasmeh.

Bilo je veliko ugibanj o tem, kdo je bila ženska na sliki. Domneva se, da gre za portret Lise Gherardini, žene florentinskega trgovca s tkaninami po imenu Francesco del Giocondo. (Umetnostni pisec iz 16. stoletja Vasari je bil med prvimi, ki je to predlagal v svojem 'Življenju umetnikov'). Domneva se tudi, da je bil razlog za njen nasmeh nosečnost.

Umetnostni zgodovinarji vedo Leonard je začel z 'Mona Lizo' do leta 1503, saj je zapis o tem naredil tistega leta visoki florentinski uradnik Agostino Vespucci. Kdaj bo končal, je manj gotovo. Louvre je prvotno datiral sliko v leto 1503-06, vendar odkritja leta 2012 kažejo, da je bila morda dokončana celo desetletje pozneje, saj ozadje temelji na risbi skal, ki jo je naredil leta 1510. -15.¹Louvre je marca 2012 spremenil datume v 1503-1919.

Vir:
1. Mona Lisa bi lahko bila dokončana desetletje pozneje, kot je mislil Martin Bailey, The Art Newspaper, 7. marec 2012 (dostopan 10. marca 2012)

Slavni slikarji: Monet v Givernyju

Monet sedi ob jezercu z vodnimi lilijami na svojem vrtu v Givernyju v Franciji. Arhiv Hulton / Getty Images

Referenčne fotografije za slikanje: Monetov 'Vrt v Givernyju.'

Del razloga, zakaj je impresionistični slikar Claude Monet tako znan, so njegove slike odsevov v ribnikih lilij, ki jih je ustvaril na svojem velikem vrtu v Givernyju. Navdihovala je dolga leta, vse do konca njegovega življenja. Po ribnikih je skiciral ideje za slike, ustvarjal je male in velike slike tako kot samostojna dela kot v serijah.

Podpis Clauda Moneta

Podpis Clauda Moneta na njegovi sliki Nimfeje iz leta 1904. Bruno Vincent / Getty Images

Ta primer, kako je Monet podpisoval svoje slike, je iz ene od njegovih slik vodne lilije. Vidite, da se je podpisal z imenom in priimkom (Claude Monet) ter letnico (1904). Je v spodnjem desnem kotu, dovolj daleč, da ga okvir ne bi odrezal.

Monetovo polno ime je bilo Claude Oscar Monet.

'Vtis sončnega vzhoda' - Monet

'Vtis sončnega vzhoda' Moneta (1872). Olje na platnu. Približno 18x25 palcev ali 48x63 cm. Trenutno v Musée Marmottan Monet v Parizu. Buyenlarge / Getty Images

Ta Monetova slika je dala ime impresionistični slog umetnosti. Razstavil jo je leta 1874 v Parizu na razstavi, ki je postala znana kot prva impresionistična razstava.

Likovni kritik Louis Leroy je v svoji recenziji razstave, ki jo je poimenoval 'Razstava impresionistov', dejal:

' Tapeta v svojem embrionalnem stanju je bolj dovršena kot tista morska pokrajina .'

<sub>Vir:
1. 'Razstava impresionistov' Louisa Leroya, Charivari , 25. april 1874, Pariz. Prevedel John Rewald in Zgodovina impresionizma , Moma, 1946, str256-61; citirano v Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History, Bruce Altshuler, Phaidon, str. 42-43.</sub>

Serija 'Kozolci' - Monet

Zbirka znanih slik, ki vas bodo navdihnile in razširile vaše umetniško znanje. Mysticchildz / Nadia / Flickr

Monet je pogosto naslikal serijo iste teme, da bi ujel spreminjajoče se učinke svetlobe, in menjaval platna, ko je dan napredoval.

Monet je znova in znova slikal veliko motivov, vendar je vsaka njegova serija slik drugačna, pa naj gre za sliko lokvanja ali kozolca. Ker so Monetove slike razpršene po zbirkah po vsem svetu, je običajno samo na posebnih razstavah njegove serije slik videti kot skupino. Na srečo, Art Institute v Chicagu ima v svoji zbirki več Monetovih slik kozolcev, saj so impresivne ogled skupaj :

• Kup pšenice
• Otoplitev, sončni zahod
• Sončni zahod, snežni učinek
• Učinek snega, oblačen dan
• Konec poletja

Oktobra 1890 je Monet napisal pismo umetnostnemu kritiku Gustavu Geffroyu o seriji kozolcev, ki jih je slikal, in rekel:

»Trd sem pri tem, trmasto delam na nizu različnih učinkov, toda v tem letnem času sonce zahaja tako hitro, da mu je nemogoče dohajati … dlje kot sem, bolj vidim, da veliko dela je treba opraviti, da upodabljam tisto, kar iščem: 'trenutnost', predvsem 'ovojnica', enaka svetloba, ki se razprostira čez vse ... vedno bolj me obseda potreba po upodabljanju tistega, kar izkušenj, in molim, da mi ostane še nekaj dobrih let, ker mislim, da bom lahko napredoval v tej smeri ...«¹

<sup>Vir: ​
1. Monet sam , str. 172, uredil Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.</sup>

'Lokvanji' - Claude Monet

davebluedevil (Creative Commons Nekatere pravice pridržane )' id='mntl-sc-block-image_2-0-61' />

Galerija slavnih slik znanih umetnikov. fotografija: davebluedevil (Creative Commons Nekatere pravice pridržane )

Claude Monet , 'Lokvanji', c. 19140-17, olje na platnu. Velikost 65 3/8 x 56 palcev (166,1 x 142,2 cm). V zbirki v Muzeji lepih umetnosti v San Franciscu .

Monet je morda najbolj znan izmed impresionistov, zlasti po svojih slikah z odsevi v ribniku lilij na njegovem vrtu Giverny. Ta posebna slika prikazuje majhen košček oblaka v zgornjem desnem kotu in lisasto modrino neba, ki se odseva v vodi.

Če preučujete fotografije Monetovega vrta, kot je ta z Monetovim ribnikom z lilijami in ta s cvetovi lilij, in jih primerjate s to sliko, boste dobili občutek, kako je Monet zmanjšal podrobnosti v svoji umetnosti, vključno le z bistvom prizor ali vtis odseva, vode in cveta lilije. Kliknite povezavo 'Ogled v polni velikosti' pod zgornjo fotografijo za večjo različico, v kateri je lažje dobiti občutek za Monetovo delo s čopičem.

Francoski pesnik Paul Claudel je rekel:

Zahvaljujoč vodi je [Monet] postal slikar tega, česar ne moremo videti. Nagovarja tisto nevidno duhovno površino, ki ločuje svetlobo od odseva. Zračna modrina v ujetništvu tekoče modrine ... Barva se dviga iz dna vode v oblakih, v vrtincih.«

^{Vir :}
Stran 262 Umetnost našega stoletja, Jean-Louis Ferrier in Yann Le Pichon

Podpis Camille Pissarro

Podpis impresionističnega umetnika Camilla Pissarra na njegovi sliki iz leta 1870 'Pokrajina v okolici Louveciennesa (jesen)'. Ian Waldie / Getty Images

Slikar Camille Pissarro je ponavadi manj znan kot mnogi njegovi sodobniki (kot je Monet), vendar ima edinstveno mesto na časovnem premiku umetnosti. Deloval je kot impresionist in neoimpresionist ter vplival na danes znane umetnike, kot so Cézanne, Van Gogh in Gauguin. Bil je edini umetnik, ki je razstavljal na vseh osmih Impresionistične razstave v Parizu od 1874 do 1886.

Van Goghov avtoportret (1886/1887)

Jimcchou ​/ Flickrjeva plošča, nameščena na plošči. V zbirki Art Institute of Chicago.' id='mntl-sc-block-image_2-0-72' />

Avtoportret Vincenta van Gogha (1886/1887). 41x32,5cm, olje na umetniški deski, na plošči. V zbirki Inštituta za umetnost v Chicagu. Jimcchou / Flickr

to portret avtor Vincent van Gogh je v zbirki Art Institute of Chicago. Naslikana je bila v slogu, ki je podoben pointilizmu, vendar se ne drži samo pik.

V dveh letih, ko je živel v Parizu, od 1886 do 1888, je Van Gogh naslikal 24 avtoportretov. Umetniški inštitut iz Chicaga je to opisal kot uporabo Seuratove 'pikčaste tehnike' ne kot znanstvene metode, temveč kot 'intenziven čustven jezik', v katerem so 'rdeče in zelene pike moteče in popolnoma v skladu z živčno napetostjo, ki je očitna v van Goghovih slikah'. pogled.'

Nekaj ​​let kasneje je Van Gogh v pismu svoji sestri Wilhelmini zapisal:

»V zadnjem času sem naslikal dve svoji sliki, od katerih ima ena precej pravi značaj, mislim, čeprav bi se na Nizozemskem verjetno posmehovali idejam o portretnem slikarstvu, ki se tukaj kalijo. ... fotografije se mi vedno zdijo odvratne in jih ne maram imeti zraven, še posebej ne tistih ljudi, ki jih poznam in ljubim ... fotografski portreti ovenejo veliko prej kot mi sami, medtem ko je naslikani portret stvar ki se občuti, naredi z ljubeznijo ali s spoštovanjem do upodobljenega človeka.'

Vir:
Pismo Wilhelmini van Gogh, 19. september 1889

Podpis Vincenta van Gogha

'Nočna kavarna' Vincenta van Gogha (1888). Teresa Veramendi / Vincentovo rumeno

Nočna kavarna Van Gogha je zdaj v zbirki umetniške galerije univerze Yale. Znano je, da je Van Gogh podpisoval le tiste slike, s katerimi je bil posebej zadovoljen, a nenavadno pri tej sliki je, da je pod svoj podpis dodal naslov 'Le café de Nuit.'

Upoštevajte, da je Van Gogh svoje slike podpisoval preprosto z 'Vincent', ne 'Vincent van Gogh' ali 'Van Gogh'.

V pismu svojemu bratu Theu, napisanem 24. marca 1888, je rekel:

'V prihodnje bi moralo biti moje ime v katalogu tako, kot se podpisujem na platnu, in sicer Vincent in ne Van Gogh, iz preprostega razloga, ker slednjega pri nas ne znajo izgovoriti.'

'Tukaj' je Arles v južni Franciji.

Če ste se spraševali, kako se izgovori Van Gogh, ne pozabite, da je to nizozemski priimek, ne francoski ali angleški. Tako se izgovori 'Gogh', zato se rima s škotskim 'loch'. Ni 'goff' niti 'gre'.

Zvezdna noč - Vincent van Gogh

Zvezdna noč Vincenta van Gogha (1889). Olje na platnu, 29x36 1/4' (73,7x92,1 cm). V zbirki Moma, New York. Jean-Francois Richard

Ta slika, ki je morda najbolj znana slika Vincenta van Gogha, je v zbirki na Muzej moderne umetnosti v New Yorku.

Van Gogh je slikal Zvezdna noč junija 1889, ko je omenil jutranjo zvezdo v pismu svojemu bratu Theu, napisanem okoli 2. junija 1889: 'Danes zjutraj sem skozi okno videl deželo dolgo pred sončnim vzhodom, brez nič drugega kot jutranje zvezde, ki je bila videti zelo velik.' Jutranja zvezda (pravzaprav planet Venera, ne zvezda) se na splošno šteje za veliko belo, naslikano levo od središča slike.

Tudi Van Goghova zgodnejša pisma omenjajo zvezde in nočno nebo ter njegovo željo, da bi jih naslikal:

1. 'Kdaj se bom sploh lotil slikanja zvezdnega neba, te slike, ki je vedno v mojih mislih?' (Pismo Emilu Bernardu, okoli 18. junija 1888)
2. 'Kar zadeva zvezdnato nebo, še naprej močno upam, da ga bom naslikal, in morda ga bom nekega dne' (Pismo Theu van Goghu, c. 26. septembra 1888).
3. 'Trenutno si absolutno želim naslikati zvezdnato nebo. Pogosto se mi zdi, da je noč še vedno bolj bogato obarvana kot dan; z odtenki najintenzivnejše vijolične, modre in zelene. Če boste le pozorni na to, boste videli, da so nekatere zvezdice limonasto rumene, druge rožnate ali zelene, modre in nepozabljivega leska. ... očitno je, da dajanje majhnih belih pik na modro-črno ni dovolj za slikanje zvezdnatega neba.' (Pismo Wilhelmini van Gogh, 16. september 1888)

Restavracija de la Sirene v Asnieresu - Vincent van Gogh

'Restavracija de la Sirene, v Asnieresu' Vincenta van Gogha. Marion Boddy-Evans (2007) / licencirano za About.com, Inc.

Ta slika Vincenta van Gogha je v zbirki muzeja Ashmolean v Oxfordu v Veliki Britaniji. Van Gogh jo je naslikal kmalu po prihodu v Pariz leta 1887, da bi živel s svojim bratom Theom na Montmartru, kjer je Theo vodil umetniško galerijo.

Vincent je bil prvič izpostavljen slikam impresionistov (zlasti Moneta) in srečal umetnike, kot je npr. Gauguin , Toulouse-Lautrec, Emile Bernard in Pissarro. V primerjavi z njegovim prejšnjim delom, v katerem so prevladovali temni zemeljski toni, značilni za severnoevropske slikarje, kot je Rembrandt, ta slika kaže vpliv teh umetnikov nanj.

Barve, ki jih je uporabljal, so se posvetlile in razvedrile, njegovo delo s čopičem pa je postalo ohlapnejše in bolj očitno. Poglejte te podrobnosti na sliki in videli boste, kako je uporabil majhne poteze čiste barve, ločene. Ne meša barv na platnu, ampak dopušča, da se to zgodi v očeh gledalca. Preizkuša zlomljena barva pristop impresionistov.

V primerjavi z njegovimi poznejšimi slikami so barvni trakovi razmaknjeni, med njimi pa se kaže nevtralno ozadje. Še ne pokriva celotnega platna z nasičeno barvo, niti ne izkorišča možnosti uporabe čopičev za ustvarjanje teksture v sami barvi.

Restavracija de la Sirene v Asnieresu Vincenta van Gogha (podrobnost)

Podrobnosti iz 'The Restaurant de la Sirene, at Asnieres' Vincenta van Gogha (olje na platnu, muzej Ashmolean). Marion Boddy-Evans (2007) / licencirano za About.com, Inc.

Te podrobnosti z Van Goghove slike The Restaurant de la Sirene v Asnieresu (v zbirki muzeja Ashmolean) prikazujejo, kako je eksperimentiral s čopičem in sledovi čopiča po izpostavitvi slikam impresionistov in drugih sodobnih pariških umetnikov.

'Štirje plesalci' - Edgar Degas

MikeandKim / Flickr

Edgar Degas, Štirje plesalci, c. 1899. Olje na platnu. Velikost 59 1/2 x 71 palcev (151,1 x 180,2 cm). V Narodna galerija umetnosti , Washington.

'Portret umetnikove matere' - Whistler

'Aranžma v sivi in ​​črni št. 1, Portret umetnikove matere' Jamesa Abbotta McNeilla Whistlerja (1834-1903). 1871. 144,3x162,5 cm. Olje na platnu. V zbirki Musee d'Orsay v Parizu. Bill Pugliano / Getty Images / Musee d'Orsay / Pariz / Francija

To je verjetno najbolj znana Whistlerjeva slika. Njen polni naslov je 'Aranžma v sivi in ​​črni št. 1, Portret umetnikove matere'. Njegova mati je pristala na poziranje za sliko, ko je model, ki ga je uporabljal Whistler, zbolel. Sprva jo je prosil, naj pozira stoje, a kot vidite, se je vdal in ji pustil, da se usede.

Na steni je jedkanica Whistlerja, 'Black Lion Wharf.' Če zelo natančno pogledate na zaveso zgoraj levo od okvirja jedkanice, boste videli svetlejši madež, to je simbol metulja, s katerim je Whistler podpisoval svoje slike. Simbol ni bil vedno enak, vendar se je spreminjal in njegova oblika se uporablja za datiranje njegovih umetnin. Znano je, da ga je začel uporabljati leta 1869.

'Upanje II' - Gustav Klimt

'Upanje II' - Gustav Klimt. Jessica Jeanne / Flickr

​Kdor hoče kaj izvedeti o meni – kot umetniku, edina opazna stvar – naj si pozorno ogleda moje slike in poskuša v njih videti, kaj sem in kaj želim delati.« Klimt

Gustav Klimt je slikal Finale II na platnu leta 1907/8 z uporabo oljnih barv, zlata in platine. Velikost je 43,5 x 43,5' (110,5 x 110,5 cm). Slika je del zbirke Muzej moderne umetnosti v New Yorku.

Finale II je lep primer Klimtova uporaba zlatih lističev na slikah in njegov bogat okrasni slog. Poglejte, kako je naslikal oblačilo, ki ga nosi glavna figura, kako je to abstraktna oblika, okrašena s krogi, vendar jo še vedno 'beremo' kot plašč ali obleko. Kako se na dnu zlije s tremi drugimi obrazi.

Umetnostni kritik Frank Whitford je v svoji ilustrirani biografiji Klimta dejal:

Klimt je 'nanesel prave zlate in srebrne lističe, da bi še povečal vtis, da je slika dragocen predmet, niti približno ne ogledalo, v katerem je mogoče videti naravo, ampak skrbno izdelan artefakt.'^dva

To je simbolika, ki še danes velja za veljavno, saj zlato še vedno velja za dragoceno blago.

Klimt je živel na Dunaju v Avstriji in je svoj navdih črpal bolj z vzhoda kot z zahoda, iz 'virov, kot so bizantinska umetnost, mikenska kovina, perzijske preproge in miniature, mozaiki ravenskih cerkva in japonska paravana.'³

Vir:
1. Umetniki v kontekstu: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), zadnja platnica.
2. Ibid. str82.
3. Poudarki MoMA (Muzej moderne umetnosti, New York, 2004), str. 54

Picassov podpis

Picassov podpis na njegovi sliki iz leta 1903 'Portret Angela Fernandeza de Sota' (ali 'Pivec absinta'). Oli Scarff / Getty Images

To je podpis Picasso na njegovi sliki iz leta 1903 (iz modrega obdobja) z naslovom 'Pivec absinta'.

Picasso je eksperimentiral z različnimi skrajšanimi različicami svojega imena kot svojim slikarskim podpisom, vključno z obkroženimi začetnicami, preden se je odločil za 'Pablo Picasso'. Danes na splošno slišimo, da ga imenujejo preprosto 'Picasso'.

Njegovo polno ime je bilo: Pablo, pravim, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, Sveta Trojica, Ruiz Picasso ¹.
​
<sub>Vir:
1. 'Vsota uničenj: Picassove kulture in ustvarjanje kubizma', Natasha Staller. Yale University Press. Stran str209.</sub>

'Pivec absinta' - Picasso

Picassova slika iz leta 1903 'Portret Angela Fernandeza de Sota' (ali 'Pivec absinta'). Oli Scarff / Getty Images

To sliko je Picasso ustvaril leta 1903, v svojem modrem obdobju (čas, ko so na Picassovih slikah prevladovali toni modre barve; ko je bil star dvajset). Na njej je umetnik Angel Fernandez de Soto, ki je bil bolj kot njegova slika navdušen nad zabavami in popivanje¹, ki je dvakrat delil studio s Picassom v Barceloni.

Sliko je junija 2010 dala na dražbo fundacija Andrewa Lloyda Webberja, potem ko je bila v ZDA sklenjena izvensodna poravnava o lastništvu po zahtevku potomcev nemško-judovskega bankirja Paula von Mendelssohn-Bartholdyja, da slika je bila pod prisilo v tridesetih letih prejšnjega stoletja v času nacističnega režima v Nemčiji.

<sub>Vir:
1. Dražbena hiša Christie's sporočilo za javnost , 'Christie's bo ponudil Picassovo mojstrovino', 17. marec 2010.</sub>

'Tragedija' - Picasso

'Tragedija' - Picasso. MikeandKim / Flickr

Pablo Picasso, Tragedija, 1903. Olje na lesu. Velikost 41 7/16 x 27 3/16 palcev (105,3 x 69 cm). V Narodna galerija umetnosti , Washington.

Izhaja iz njegovega modrega obdobja, ko je v njegovih slikah, kot pove že ime, prevladoval blues.

Picassova skica za njegovo znamenito sliko 'Guernica'

Picassova skica za njegovo sliko Guernica. Gotor / naslovnica / Getty Images

Med načrtovanjem in delom na svoji ogromni sliki Guernica je Picasso naredil veliko skic in študij. Na fotografiji je eden od njegovih sestava skice, kar samo po sebi ni videti veliko, zbirka načečkanih vrstic.

Namesto da bi poskušali razvozlati, kaj bi lahko bile različne stvari in kje so na končni sliki, pomislite na to kot na Picassovo stenografijo. Enostavno izdelava oznak za slike, ki jih je imel v mislih. Osredotočite se na to, kako to uporablja, da se odloči, kam postaviti elemente na sliki, na interakcijo med temi elementi.

'Guernica' - Picasso

'Guernica' - Picasso. Bruce Bennett / Getty Images

Ta znamenita Picassova slika je ogromna: visoka je 11 čevljev 6 palcev in široka 25 čevljev 8 palcev (3,5 x 7,76 metra). Picasso jo je naslikal po naročilu za španski paviljon na svetovni razstavi leta 1937 v Parizu. Je v Museo Reina Sofia v Madridu v Španiji.

'Portret gospoda Minguella' - Picasso

'Portret gospoda Minguella' Pabla Picassa (1901). Oljna barva na papirju položenem na platno. Velikost: 52 x 31,5 cm (20 1/2 x 12 3/8 in). Oli Scarff / Getty Images

Picasso je ta portret naslikal leta 1901, ko je bil star 20 let. Tema je katalonski krojač, gospod Minguell, za katerega se domneva, da ga je Picassa seznanil njegov trgovec z umetninami in prijatelj Pedro Manach¹. Slog prikazuje Picassovo usposabljanje v tradicionalnem slikarstvu in kako daleč se je njegov stil slikanja razvil med njegovo kariero. To, da je naslikano na papirju, je znak, da je bilo narejeno v času, ko je bil Picasso brez denarja in s svojo umetnostjo še ni zaslužil dovolj denarja za slikanje na platnu.

Picasso je Minguellu podaril sliko, a jo je pozneje odkupil in jo imel še vedno, ko je leta 1973 umrl. Slika je bila postavljena na platno in verjetno tudi restavrirana pod Picassovim vodstvom 'nekje pred letom 1969'^dva, ko je bil fotografiran za knjigo Christiana Zervosa o Picassu.

Naslednjič, ko boste v enem od tistih prepirov ob večerji o tem, kako vsi nerealistični slikarji samo slikajo povzetek , kubist, fovist, impresionist, izberite svoj slog, ker ne znajo delati 'pravih slik', vprašajte osebo, ali Picassa uvršča v to kategorijo (večina jih), nato omenite to sliko.

_{Vir:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Lot Details Razprodaja impresionistične in moderne umetnosti 22. junija 2010. (Dostopano 3. junija 2010.)}

'Dora Maar' ali 'Glava ženske' - Picasso

'Dora Maar' ali 'Glava ženske' - Picasso. Peter Macdiarmid/Getty Images

Ko je bila ta Picassova slika prodana na dražbi junija 2008, je bila prodana za 7.881.250 funtov (15.509.512 ameriških dolarjev). Dražbena ocena je bila tri do pet milijonov funtov.

Gospe iz Avignona - Picasso

Les Demoiselles d'Avignon Pabla Picassa, 1907. Olje na platnu, 8 x 7' 8' (244 x 234 cm). Muzej moderne umetnosti (Moma) New York. Davina DeVries / Flickr

Ta ogromna Picassova slika (skoraj osem kvadratnih čevljev) je razglašena za eno najpomembnejših del moderne umetnosti, kar jih je bilo kdaj ustvarjeno, če ne the najpomembnejše, ključno slikarstvo v razvoju moderne umetnosti. Slika prikazuje pet žensk - prostitutk v bordelu - vendar obstaja veliko razprav o tem, kaj vse to pomeni in o vseh referencah in vplivih v njej.

Umetnostni kritik Jonathan Jones¹pravi:

Kar je Picassa presenetilo pri afriških maskah [razvidno iz obrazov figur na desni], je bila najbolj očitna stvar: da te preoblečejo, spremenijo v nekaj drugega - v žival, demona, boga. Modernizem je umetnost, ki nosi masko. Ne pove, kaj pomeni; ni okno ampak stena. Picasso je svojo temo izbral ravno zato, ker je bila kliše: želel je pokazati, da izvirnost v umetnosti ni v pripovedi ali morali, ampak v formalni invenciji. Zato je napačno videti Les Demoiselles d'Avignon kot sliko 'o' bordelih, prostitutkah ali kolonializmu.'

Vir:
1. Pablovi punkerji avtor Jonathan Jones, Skrbnik , 9. januar 2007.

'Ženska s kitaro' - Georges Braque

'Ženska s kitaro' - Georges Braque. Independentman / Flickr

Georges Braque, Ženska s kitaro , 1913. Olje in oglje na platnu. 51 1/4 x 28 3/4 palcev (130 x 73 cm). V Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Pariz.

Rdeči studio - Henri Matisse

Rdeči studio - Henri Matisse. Liane / Lil'bear / Flickr

Ta slika je v zbirki Muzej moderne umetnosti (Moma) v New Yorku. Prikazuje notranjost Matissejevega slikarskega ateljeja s sploščeno perspektivo ali eno samo slikovno ravnino. Stene njegovega studia pravzaprav niso bile rdeče, bile so bele; je za učinek uporabil rdečo barvo v svoji sliki.

V njegovem ateljeju so na ogled različna njegova umetniška dela in deli studijskega pohištva. Obrisi pohištva v njegovem studiu so črte v barvi, ki razkrivajo barvo iz spodnjega, rumenega in modrega sloja, ki ni naslikan na vrhu rdeče.

1. „Oglate črte nakazujejo globino in modro-zelena svetloba okna okrepi občutek notranjega prostora, vendar širna rdeča barva splošči sliko. Matisse poveča ta učinek tako, da na primer izpusti navpično linijo vogala sobe.«
-- MoMA Highlights, izdala Moma, 2004, stran 77.

2. 'Vsi elementi ... potopijo svoje individualne identitete v to, kar je postalo dolgotrajna meditacija o umetnosti in življenju, prostoru, času, zaznavanju in naravi same realnosti ... razpotje za zahodno slikarstvo, kjer je klasično navzven usmerjeno , se je pretežno reprezentacijska umetnost preteklosti srečala s provizoriziranim, ponotranjenim in samoreferenčnim etosom prihodnosti ...«
- Hilary Spurling, , stran 81.

Ples - Henri Matisse

Galerija slavnih slik znanih umetnikov 'Ples' Henrija Matissa (zgoraj) in oljna skica, ki jo je naredil zanjo (spodaj). Fotografije Cate Gillon (zgoraj) in Sean Gallup (spodaj) / Getty Images

Zgornja fotografija prikazuje Matissovo dokončano sliko z naslovom Ples , dokončana leta 1910 in je zdaj v Državnem muzeju Ermitaž v Sankt Peterburgu v Rusiji. Spodnja fotografija prikazuje kompozicijsko študijo v polni velikosti, ki jo je naredil za sliko, ki je zdaj v MOMA v New Yorku, ZDA. Matisse jo je naslikal po naročilu ruskega zbiratelja umetnin Sergeja Ščukina.

To je ogromna slika, široka skoraj štiri metre in visoka dva metra in pol (12' 9 1/2' x 8' 6 1/2'), naslikana pa je s paleto, omejeno na tri barve: rdeča , zelena in modra. Mislim, da je to slika, ki kaže, zakaj ima Matisse tak sloves kolorista, zlasti če študijo primerjate s končno sliko z žarečimi figurami.

Hilary Spurling v svoji biografiji o Matisseju (na strani 30) pravi:

'Tisti, ki so videli prvo različico Ples opisal kot bledo, občutljivo, celo sanjsko, naslikano v barvah, ki so bile poudarjene... v drugi različici v močan, ploščat friz cinobarjevih figur, ki vibrirajo ob pasovih svetle zelene in neba. Sodobniki so sliko videli kot pogansko in dionizijsko.«

Upoštevajte sploščeno perspektivo, kako so figure enake velikosti, ne pa tiste, ki so bolj oddaljene od manjših, kot bi se to zgodilo v perspektivi ali podaljšku za reprezentativne slike. Kako je črta med modro in zeleno za figurami ukrivljena, tako da odmeva krog figur.

„Površina je bila obarvana do nasičenosti, do točke, ko je bila modra, ideja absolutne modre, dokončno prisotna. Svetlo zelena za zemljo in živahen cinober za telesa. S temi tremi barvami sem dosegel svojo harmonijo svetlobe in tudi čistost tona.« -- Matisse

Vir:
'Uvod v razstavo From Russian za učitelje in učence' Grega Harrisa, Kraljeva akademija umetnosti, London, 2008.

Znani slikarji: Willem de Kooning

Willem de Kooning slika v svojem studiu v Easthamptonu na Long Islandu v New Yorku leta 1967. Ben Van Meerondonk / Hulton Archive / Getty Images

Slikar Willem de Kooning se je rodil v Rotterdamu na Nizozemskem 24. avgusta 1904 in umrl na Long Islandu v New Yorku 19. marca 1997. De Kooning je bil vajenec v komercialnem umetniškem in dekoraterskem podjetju, ko je bil star 12 let, in je obiskoval večerne tečaje pri osem let na Rotterdamski akademiji za likovno umetnost in tehniko. Leta 1926 je emigriral v ZDA in leta 1936 začel s polnim delovnim časom slikati.

De Kooningov slikarski slog je bil abstraktni ekspresionizem. Imel je svojo prvo samostojno razstavo v galeriji Charles Egan v New Yorku leta 1948, z delom v črno-belem emajlu. (Začel je uporabljati emajlirane barve, ker si ni mogel privoščiti umetniških pigmentov.) Do petdesetih let 20. stoletja je bil priznan kot eden od voditeljev abstraktnega ekspresionizma, čeprav so nekateri puristi tega sloga menili, da so njegove slike (kot npr. ženska serije) vključujejo preveč človeške oblike.

Njegove slike vsebujejo veliko plasti, elementov, ki se prekrivajo in skrivajo, ko je sliko predeloval in predeloval. Spremembe so dovoljene za prikaz. Na svoja platna je veliko risal z ogljem, za začetno kompozicijo in med slikanjem. Njegovo delo s čopičem je gestualno, ekspresivno, divje, z občutkom energije za potezami. Končne slike so bile narejene, vendar niso bile.

De Kooningovo umetniško delo je trajalo skoraj sedem desetletij in je vključevalo slike, kipe, risbe in grafike. Njegove zadnje slike Vir v poznih osemdesetih. Njegove najbolj znane slike so Rožnati angelčki (ok. 1945), Izkopavanje (1950), njegov tretji ženska serije (1950–53) v bolj slikarskem slogu in improvizacijskem pristopu. V štiridesetih letih prejšnjega stoletja je delal hkrati v abstraktnem in reprezentacijskem slogu. Njegov preboj je prišel s črno-belimi abstraktnimi kompozicijami 1948–49. Sredi petdesetih let prejšnjega stoletja je slikal urbane abstrakcije, v šestdesetih letih se je vrnil k figuraliki, nato pa v sedemdesetih letih prejšnjega stoletja k velikim gestualnim abstrakcijam. V osemdesetih letih 20. stoletja je de Kooning začel delati na gladkih površinah, glazirati s svetlimi, prozornimi barvami preko fragmentov gestualnih risb.

Ameriška gotika - Grant Wood

Kustosinja Jane Milosch v ameriškem umetniškem muzeju Smithsonian ob znameniti sliki Granta Wooda z naslovom 'Ameriška gotika'. Velikost slike: 78x65 cm (30 3/4 x 25 3/4 in). Oljna barva na bobrovi plošči. Shealah Craighead / Bela hiša / Getty Images

Ameriška gotika je verjetno najbolj znana od vseh slik, ki jih je ustvaril ameriški umetnik Grant Wood. Zdaj je na Inštitutu za umetnost v Chicagu.

Grant Wood je leta 1930 naslikal 'Ameriško gotiko'. Prikazuje moškega in njegovo hčerko (ne žene¹), ki stoji pred njihovo hišo. Grant je videl zgradbo, ki je navdihnila sliko v Eldonu v Iowi. Arhitekturni slog je ameriška gotika, od koder je slika dobila tudi naslov. Modela za sliko sta bila Woodova sestra in njun zobozdravnik.^dva. Slika je podpisana blizu spodnjega roba, na moškem kombinezonu, z umetnikovim imenom in letnico (Grant Wood 1930).

Kaj slika pomeni? Wood je nameraval, da bo to dostojno upodabljanje značaja Američanov s srednjega zahoda, ki prikazuje njihovo puritansko etiko. Lahko pa bi ga razumeli kot komentar (satiro) o nestrpnosti podeželskega prebivalstva do tujcev. Simbolika na sliki vključuje trdo delo (vile) in domačnost (cvetlični lonci in predpasnik s kolonialnim tiskom). Če pozorno pogledate, boste videli tri roglje vile, ki odmevajo v šivih na moškem kombinezonu in se nadaljujejo po črtah na njegovi srajci.

^{Vir:
Ameriška gotika , Art Institute of Chicago, pridobljeno 23. marca 2011.}

'Kristus svetega Janeza od Križa' - Salvador Dali

Kristus sv. Janeza od Križa Salvadorja Dalija, zbirka Kelvingrove Art Gallery, Glasgow. Jeff J Mitchell / Getty Images

Ta slika avtorja Salvador Dali je v zbirki Umetnostna galerija in muzej Kelvingrove v Glasgowu na Škotskem. Prvič je bila na ogled v galeriji 23. junija 1952. Slika je bila kupljena za 8.200 funtov, kar je veljalo za visoko ceno, čeprav je vključevala avtorske pravice, ki so galeriji omogočile zaslužiti s pristojbinami za reprodukcijo (in prodati nešteto razglednic!) .

Za Dalija je bilo nenavadno prodati avtorske pravice za sliko, vendar je potreboval denar. (Avtorske pravice ostanejo izvajalcu, razen če so podpisane, glejte Pogosta vprašanja o avtorskih pravicah izvajalca .)

Očitno v finančnih težavah je Dali sprva zahteval 12.000 funtov, vendar ga je po trdem pogajanju ... prodal za skoraj tretjino manj in leta 1952 mestu [Glasgow] podpisal pismo o odstopu avtorskih pravic.

Naslov slike je referenca na risbo, ki je navdihnila Dalija. Risba s peresom in tušem je nastala po viziji, ki jo je imel sveti Janez od Križa (španski karmeličan, 1542–1591), v katerem je videl Kristusovo križanje, kot da bi ga gledal od zgoraj. Kompozicija je osupljiva zaradi svojega nenavadnega pogleda na Kristusovo križanje, osvetlitev je dramatično močna sence in odlična uporaba podaljšek na sliki. Pokrajina na dnu slike je pristanišče Dalijevega rojstnega kraja Port Lligat v Španiji.
Slika je bila sporna v mnogih pogledih: znesek, ki je bil plačan zanjo; predmet; slog (ki se je zdel bolj retro kot moderen). Več o sliki si preberite na spletni strani galerije.

Vir:
' Nadrealni primer Dalijevih slik in boj za umetniško licenco ' avtorja Severin Carrell, Skrbnik , 27. januar 2009

Campbellove pločevinke za juho - Andy Warhol

Slike iz pločevinke Andyja Warhola. Tjeerd Wiersma / Flickr

Detajl Andyja Warhola Campbellove pločevinke za juho . Akril na platnu. 32 slik vsaka 20x16' (50,8x40,6 cm). V zbirki v Muzej moderne umetnosti (MoMA) v New Yorku.

Warhol je svojo serijo slik Campbellove pločevinke za juho prvič razstavil leta 1962, pri čemer je dno vsake slike ležalo na polici, kot bi bila pločevinka v supermarketu. V seriji je 32 slik, toliko je vrst juh, ki jih je takrat prodajal Campbell's.

Če ste si predstavljali Warhola, kako zalaga svojo shrambo s pločevinkami juhe, nato pa poje pločevinko, ko je končal slikanje, se zdi, da ne. Glede na spletno stran Moma je Warhol uporabil seznam izdelkov iz Campbella, da je vsaki sliki dodelil drugačen okus.

Na vprašanje o tem je Warhol dejal:

»Včasih sem ga pil. Vsak dan sem jedel isto kosilo, dvajset let, mislim, isto stvar znova in znova.«¹

Warhol prav tako očitno ni imel vrstnega reda, po katerem bi želel, da bi bile slike prikazane. Moma prikazuje slike 'v vrstah, ki odražajo kronološki vrstni red, v katerem so bile [juhe] uvedene, začenši s 'Tomato' v zgornjem levem kotu, ki je debitiral v 1897.'

Torej, če slikate serijo in želite, da so prikazane v določenem vrstnem redu, si to nekje zabeležite. Zadnji rob platna je verjetno najboljši, saj se takrat ne bo ločil od slike (čeprav se lahko skrije, če so slike uokvirjene).

Warhol je umetnik, ki ga slikarji pogosto omenjajo, ker želijo narediti izpeljana dela. Preden se lotite podobnih stvari, je vredno upoštevati dve stvari:

1. Vklopljeno Momina spletna stran , obstaja navedba licence podjetja Campbell's Soup Co (tj. licenčna pogodba med podjetjem soup in umetnikovo zapuščino).
2. Zdi se, da je bilo v Warholovih dneh uveljavljanje avtorskih pravic manj problem. Ne delajte domnev o avtorskih pravicah na podlagi Warholovega dela. Opravite raziskavo in se odločite, kakšna je vaša skrb glede morebitne kršitve avtorskih pravic.

Campbell ni naročil Warholu, da bi naredil slike (čeprav so jih pozneje naročili za enega predsednika upravnega odbora, ki se je upokojil leta 1964) in je imel pomisleke, ko se je znamka pojavila na Warholovih slikah leta 1962, pri čemer je sprejel pristop čakanja in videl, da bi ocenil, kakšen bo odziv je bil do slik. V letih 2004, 2006 in 2012 je Campbell's prodajal pločevinke s posebnimi Warholovimi spominskimi nalepkami.

<sub>Vir:
1. Kot je navedeno na mama , dostopano 31. avgusta 2012.</sub>

Večja drevesa blizu Warterja - David Hockney

David Hockney Večja drevesa blizu Warterja. Zgoraj: Dan Kitwood / Getty Images. Spodaj: Fotografija Bruna Vincenta / Getty Images

Vrh: Umetnik David Hockney stoji ob delu svoje oljne slike 'Bigger Trees Near Warter', ki jo je podaril Tate Britain aprila 2008.

Spodaj: Slika je bila prvič razstavljena na poletni razstavi 2007 na Kraljevi akademiji v Londonu in je zavzela celotno steno.

Oljna slika Davida Hockneyja 'Bigger Trees Near Warter' (imenovana tudi Pleneristično slikarstvo za postfotografsko dobo ) prikazuje prizor blizu Bridlingtona v Yorkshiru. Slika je sestavljena iz 50 platen, postavljenih eno ob drugem. Skupaj je celotna velikost slike 40x15 čevljev (4,6x12 metrov).

V času, ko ga je Hockney naslikal, je bil to največji del, ki ga je kdaj dokončal, čeprav ne prvi, ki ga je ustvaril z uporabo več platen.

' To sem naredil, ker sem ugotovil, da lahko to storim brez lestve. Ko slikate, se morate znati umakniti. No, obstajajo umetniki, ki so bili ubiti, ko so stopili nazaj z lestev, kajne? '
-- Hockney citiran v a Reuter novice, 7. april 2008.

Hockney si je pri kompoziciji in slikanju pomagal z risbami in računalnikom. Ko je bil del končan, je bila posneta fotografija, da je lahko videl celotno sliko na računalniku.

'Najprej je Hockney skiciral mrežo, ki je pokazala, kako bi se prizor prilegal več kot 50 ploščam. Nato je začel delati posamezne plošče in situ. Ko je delal na njih, so jih fotografirali in iz njih naredili računalniški mozaik, da je lahko začrtal svoj napredek, saj je lahko imel na steni naenkrat le šest plošč.«

Vir:
Charlotte Higgins, Varuh dopisnik za umetnost, Hockney daruje ogromno delo Tate , 7. april 2008.

Vojne slike Henryja Moora

Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension avtor Henry Moore 1941. Črnilo, akvarel, vosek in svinčnik na papirju. Tate Reproducirano z dovoljenjem fundacije Henry Moore

The Razstava Henryja Moora v galeriji Tate Britain v Londonu je potekal od 24. februarja do 8. avgusta 2010.

Britanski umetnik Henry Moore je najbolj znan po svojih skulpturah, znan pa je tudi po slikah s črnilom, voskom in akvareli ljudi, ki so se med drugo svetovno vojno zatekli na postaje londonske podzemne železnice. Moore je bil uradni vojni umetnik in leta 2010 Razstava Henryja Moora v galeriji Tate Britain ima soba, namenjena tem. Nastale med jesenjo 1940 in poletjem 1941 so njegove upodobitve spečih postav, stisnjenih v železniških tunelih, zajele občutek tesnobe, ki je spremenila njegov ugled in vplivala na splošno dojemanje Blitza. Njegovo delo v petdesetih letih prejšnjega stoletja je odražalo posledice vojne in možnost nadaljnjih konfliktov.

Moore se je rodil v Yorkshiru in študiral na Leeds School of Art leta 1919, potem ko je služil v prvi svetovni vojni. Leta 1921 je dobil štipendijo za Royal College v Londonu. Kasneje je poučeval na Royal Collegeu in Chelsea School of Art. Od leta 1940 je Moore živel v Perry Greenu v Hertfordshiru, kjer je zdaj dom Fundacija Henryja Moora . Na Beneškem bienalu leta 1948 je Moore prejel mednarodno nagrado za kiparstvo.

'Frank' - Chuck Close

'Frank' - Chuck Close. Tim Wilson / Flickr

'Frank' Chucka Closea, 1969. Akril na platnu. Velikost 108 x 84 x 3 palcev (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). V Minneapolis Institute of Art .

Avtoportret in fotoportret Luciana Freuda

Levo: 'Avtoportret: Odsev' Luciana Freuda (2002) 26x20' (66x50,8 cm). Olje na platnu. Desno: fotoportret, posnet decembra 2007. Scott Wintrow / Getty Images

Umetnik Lucian Freud je znan po svojem intenzivnem, neprizanesljivem pogledu, a kot kaže ta avtoportret, ga obrne proti sebi, ne le proti svojim modelom.

1. 'Mislim, da je odličen portret povezan z ... občutkom in individualnostjo ter intenzivnostjo pozornosti in osredotočenostjo na specifičnost.'¹
2. ... poskusiti se moraš naslikati kot druga oseba. Z avtoportreti 'podobnost' postane nekaj drugega. Delati moram, kar čutim, ne da bi bil ekspresionist.«^dva

<sup>Vir:
1. Lucian Freud, citiran v Freud at Work str. 32-3. 2. Lucian Freud citiran v Lucian Freud William Feaver (Tate Publishing, London 2002), str.43.</sup>

'Oče Mona Lise' - Man Ray

'Oče Mona Lise' Mana Raya. Neologizem / Flickr

'The Father Of Mona Lisa' Mana Raya, 1967. Reprodukcija risbe, nameščene na vlakneni plošči, z dodano cigaro. Velikost 18 x 13 5/8 x 2 5/8 palcev (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). V zbirki v Muzej Hirshorn .

Mnogi Man Raya povezujejo le s fotografijo, bil pa je tudi umetnik in slikar. Prijateljeval je z umetnikom Marcelom Duchampom in z njim sodeloval.

maja 1999 Art News Revija je Mana Raya uvrstila na svoj seznam 25 najvplivnejših umetnikov 20. stoletja zaradi njegove fotografije in raziskovanja filma, slikarstva, kiparstva, kolaža, asemblaža. Te prototipe bi sčasoma poimenovali performans in konceptualna umetnost.«

Art News je rekel:

'Man Ray je umetnikom v vseh medijih ponudil primer ustvarjalne inteligence, ki je v svojem 'zasledovanju užitka in svobode' [vodilna načela Mana Raya] odklenila vsa vrata, do katerih je prišla, in svobodno hodila, kamor je želela.'(Vir citata: Art News, maj 1999, 'Willful Provocateur' AD Colemana.)

Ta del, 'Oče Mona Lise', prikazuje, kako je lahko relativno preprosta ideja učinkovita. Težji del je sploh priti do ideje; včasih pridejo kot utrinek navdiha; včasih kot del možganske nevihte idej; včasih z razvojem in sledenjem konceptu ali misli.

Znani slikarji: Yves Klein

Charles Wilp / Smithsonian Institution / Muzej Hirshhorn

Retrospektiva: Razstava Yvesa Kleina v muzeju Hirshhorn v Washingtonu, ZDA, od 20. maja 2010 do 12. septembra 2010.

Umetnik Yves Klein je verjetno najbolj znan po svojih monokromatskih umetninah z njegovo posebno modro barvo (glejte na primer 'Living Paintbrush'). IKB ali International Klein Blue je ultramarin modra, ki jo je oblikoval.

Ker se je imenoval 'slikar prostora', je Klein 'skušal doseči nematerialno duhovnost s čisto barvo' in se ukvarjal s 'sodobnimi predstavami o konceptualni naravi umetnosti'.¹.

Klein je imel razmeroma kratko kariero, manj kot deset let. Njegovo prvo javno delo je bila knjiga umetnika Yvesove slike ('Yves Paintings'), objavljeno leta 1954. Njegova prva javna razstava je bila leta 1955. Umrl je zaradi srčnega napada leta 1962, star 34 let. ( Časovnica Kleinovega življenja Iz Arhiv Yvesa Kleina .)

<sub>Vir:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Muzej Hirshhorn, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp?key=21&subkey=252, dostopano 13. maja 2010.</sub>

'Živi čopič' - Yves Klein

Brez naslova (ANT154) Yves Klein. Pigment in umetna smola na papirju, na platnu. 102x70in (259x178cm). V zbirki Muzeja moderne umetnosti San Francisco (SFMOMA). David Marwick/Flickr

Ta slika francoskega umetnika Yves Klein (1928-1962) je ena od serij, v katerih je uporabljal 'žive čopiče'. Gole ženske modele je prekril s svojo značilno modro barvo (International Klein Blue, IKB) in nato v delu performansa pred občinstvom z njimi 'slikal' na velike liste papirja, tako da jih je verbalno usmerjal.

Naslov 'ANT154' izhaja iz komentarja umetnostnega kritika Pierra Restanyja, ki opisuje nastale slike kot 'antropometrijo modrega obdobja.' Klein je kot naslov serije uporabil akronim ANT.

Črna slika - Ad Reinhardt

Amy Sia / Flickr's Black Painting' id='mntl-sc-block-image_2-0-217' />

Črna slika Ad Reinhardta. Amy Sia / Flickr

„Nekaj ​​je narobe, neodgovornega in brezglavega glede barve; nekaj nemogočega nadzorovati. Nadzor in racionalnost sta del moje morale.« -- Ad Reinhard leta 1960¹

Ta enobarvna slika ameriškega umetnika Ad Reinhardta (1913-1967) je v Muzeju moderne umetnosti (Moma) v New Yorku. Velikost je 60x60' (152,4x152,4 cm), olje na platnu in je bila naslikana v letih 1960-61. Zadnje desetletje in del svojega življenja (umrl je leta 1967) je Reinhardt v svojih slikah uporabljal samo črno.

Amy Sia , ki je posnel fotografijo, pravi, da spremljevalec pokaže, kako je slika razdeljena na devet kvadratov, od katerih ima vsak drugačen odtenek črne.

Ne skrbite, če tega ne vidite na fotografiji. Težko je videti, tudi ko si pred sliko. V njej esej o Reinhardtu za Guggenheim Nancy Spector opisuje Reinhardtova platna kot 'zamolkle črne kvadrate, ki vsebujejo komaj opazne oblike križa, [ki] izzivajo meje vidnosti'^dva.

<sup>Vir:
1. Barva v Art avtor John Gage, str. 205
2. Reinhardt Nancy Spector, Guggenheimov muzej (dostopano 5. avgusta 2013)</sup>

Londonska slika Johna Virtueja

Jakob Appelbaum / Flickr' id='mntl-sc-block-image_2-0-221' />

Bela akrilna barva, črno črnilo in šelak na platnu. V zbirki Narodne galerije v Londonu. Jakob Appelbaum / Flickr

Britanski umetnik John Virtue od leta 1978 slika abstraktne pokrajine samo s črno-belo. Na DVD-ju, ki ga je izdelala londonska Narodna galerija, Virtue pravi, da ga delo v črno-belem sili, da je 'iznajdljiv ... da znova izumlja.' Izogibanje barvi 'poglobi moj občutek o tem, kakšna barva obstaja ... Občutek dejanskega tega, kar vidim ... je najbolje, natančneje in bolj prenesen, če nimam palete oljnih barv. Barva bi bila slepa ulica.«

To je ena od londonskih slik Johna Virtueja, ki jih je ustvaril, ko je bil pridruženi umetnik v Narodni galeriji (od 2003 do 2005). The Spletna stran Narodne galerije opisuje Virtuejeve slike, kot da imajo 'afinitete do orientalskega slikanja s čopičem in ameriškega abstraktnega ekspresionizma' in so tesno povezane z 'velikimi angleškimi krajinarji, Turnerjem in Constablom, ki ju Virtue izjemno občuduje', ter da so nanje vplivale 'nizozemske in flamske pokrajine Ruisdael, Koninck in Rubens'.

Vrlina svojim slikam ne daje naslovov, ampak samo številke. V intervjuju v aprilski številki 2005 Umetniki in ilustratorji Revija Virtue pravi, da je svoja dela začel kronološko številčiti že leta 1978, ko je začel delati črno-belo:

'Ni hierarhije. Ni važno, ali je 28 čevljev ali 3 palcev. Je neverbalni dnevnik mojega obstoja.«

Njegove slike se imenujejo le 'Pokrajina št. 45' ali 'Pokrajina št. 630' itd.

Smetnjak za umetnine - Michael Landy

Fotografije razstav in znanih slik za razširitev svojega umetniškega znanja. Fotografije z razstave 'The Art Bin' Michaela Landyja v galeriji South London. Zgoraj: Stati poleg smetnjaka resnično daje občutek obsega. Spodaj levo: del umetnosti v košu. Spodaj desno: Težka uokvirjena slika, ki bo kmalu postala smeti. Fotografija 2010 Marion Boddy-Evans. Pod licenco za About.com, Inc.

Razstava Art Bin umetnika Michaela Landyja je potekala v Galerija Južni London od 29. januarja do 14. marca 2010. Koncept je ogromen (600 m³) v galerijski prostor vgrajen smetnjak, v katerega se odvrže umetnost, 'spomenik ustvarjalnemu neuspehu'¹.

A ne katera koli stara umetnost; morali ste se prijaviti, da vržete svojo umetnost v koš, bodisi na spletu bodisi v galeriji, pri čemer se je Michael Landy ali eden od njegovih predstavnikov odločil, ali jo je mogoče vključiti ali ne. Če je bil sprejet, so ga vrgli v koš s stolpa na enem koncu.

Ko sem bil na razstavi, je bilo vanjo vrženih več kosov in oseba, ki je metala, je imela veliko vaje, saj je uspela narediti eno sliko, ki je zdrsnila naravnost na drugo stran posode.

Interpretacija umetnosti vodi navzdol po poti, kdaj/zakaj se umetnost šteje za dobro (ali smeti), subjektivnosti v vrednosti, ki se ji pripisuje, dejanju zbiranja umetnin, moči zbirateljev umetnin in galerij, da ustvarjajo ali uničijo umetnikovo kariero.

Vsekakor je bilo zanimivo hoditi ob straneh in opazovati, kaj je bilo vrženega, kaj se je razbilo (veliko kosov stiropora) in kaj ne (večina slik na platnu je bila celih). Nekje na dnu je bil velik odtis lobanje, okrašen s steklom Damiena Hirsta in del Tracey Emin. Navsezadnje bi bilo mogoče reciklirati (na primer nosila iz papirja in platna), ostalo pa bi bilo namenjeno odlagališču. Zakopan kot smeti, malo verjetno, da ga bo arheolog čez stoletja izkopal.

_{Vir:
1&2. #Michael Landy: Art Bin (http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp?id=164), spletno mesto galerije South London, dostopano 13. marca 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

'Barack Obama' Sheparda Faireya (2008). Šablona, ​​kolaž in akril na papirju. 60x44 palcev. Narodna galerija portretov, Washington DC. Darilo zbirke Heather in Tony Podesta v čast Mary K Podesta. Shepard Fairey / ObeyGiant.com

To sliko ameriškega politika Baracka Obame, mešani medijski šablonski kolaž, je ustvaril ulični umetnik iz Los Angelesa, Shepard Fairey . To je bila osrednja portretna podoba, uporabljena v Obamovi predsedniški volilni kampanji leta 2008 in razdeljena kot natisnjena omejena izdaja in brezplačen prenos. Zdaj je v Narodni galeriji portretov v Washingtonu DC.

1. Da bi ustvaril svoj Obamov plakat (kar je naredil v manj kot enem tednu), je Fairey z interneta pograbil fotografijo kandidata. Iskal je Obamo, ki je bil videti predsedniški. ... Umetnik je nato poenostavil linije in geometrijo ter uporabil rdečo, belo in modro patriotsko paleto (s katero se poigrava tako, da belo naredi bež in modro pastelno)... krepke besede...
2. 'Njegovi Obamovi plakati (ter veliko njegovih komercialnih in likovnih del) so predelave tehnik revolucionarnih propagandistov -- svetle barve, krepki napisi, geometrijska preprostost, junaške poze.'

Vir : ​
'Obama's On-the-Wall Endorsement' avtor William Booth, Washington Post 18. maj 2008.

'Rekviem, bele vrtnice in metulji' - Damien Hirst

'Requiem, White Roses and Butterflies' Damiena Hirsta (2008). 1500 x 2300 mm. Olje na platnu. Z dovoljenjem Damiena Hirsta in The Wallace Collection. Prudence Cuming Associates Ltd / Damien Hirst

Britanski umetnik Damien Hirst je najbolj znan po svojih živalih, konzerviranih v formaldehidu, vendar se je v zgodnjih 40. letih vrnil k oljnemu slikanju. Oktobra 2009 je v Londonu prvič razstavil slike, nastale med letoma 2006 in 2008. Ta primer še ne znane slike slavnega umetnika izvira iz njegovega razstava v Wallace Collection v Londonu z naslovom 'No Love Lost.' (Datumi: 12. oktober 2009 do 24. januar 2010.)

BBC News citiral Hirstove besede

'Zdaj slika samo ročno', da so bile dve leti njegove 'slike v zadregi in nisem želel, da bi kdo vstopil.' in da se je 'moral ponovno naučiti slikati prvič, odkar je bil najstniški študent umetnosti.'¹

Sporočilo za javnost, ki spremlja Wallaceovo razstavo, je dejalo:

»Modre slike« pričajo o drzni novi smeri njegovega dela; serijo slik, ki so po umetnikovih besedah ​​'globoko povezane s preteklostjo'.

Prenašanje barve na platno je zagotovo nova smer za Hirsta in kamor gre Hirst, mu bodo verjetno sledili študenti umetnosti. Oljne slike bi lahko spet postale trendovske.

About.com's Guide to London Travel, Laura Porter, je šla na tiskovno predogled Hirstove razstave in dobila odgovor na eno vprašanje, ki me je zelo zanimalo: katere modre pigmente je uporabljal?

Lauri so rekli, da je ' prusko modra za vse razen ene od 25 slik, ki je črna.' Ni čudno, da je tako temna, tleča modra!

Umetnostni kritik Adrian Searle iz Skrbnik ni bil zelo naklonjen Hirstovim slikam:

'V najslabšem primeru je Hirstova risba videti samo amaterska in mladostniška. Njegovemu čopiču manjka tistega čarovništva in šarma, zaradi katerega verjameš v slikarjeve laži. Ne more ga še odnesti.«^dva

_{Vir:
1 Hirst se 'odpove vloženim živalim' , BBC News, 1. oktober 2009
dva.' Slike Damiena Hirsta so smrtno dolgočasne ,' Adrian Searle, Varuh , 14. oktober 2009.}

Znani umetniki: Antony Gormley

Umetnik Antony Gormley (v ospredju) na prvem dnevu postavitve Fourth Plinth na Trafalgar Square v Londonu. Jim Dyson / Getty Images

Antony Gormley je britanski umetnik, morda najbolj znan po svoji skulpturi Angel severa, ki je bila predstavljena leta 1998. Stoji v Tynesideu v severovzhodni Angliji, na mestu, kjer je bil nekoč premogovnik, in vas pozdravlja s svojimi 54 metrov širokimi krili.

Julija 2009 je Gormleyjeva umetniška instalacija na četrtem podstavku na Trafalgar Square v Londonu videla prostovoljca, ki je stal eno uro na podstavku, 24 ur na dan, 100 dni. Za razliko od drugih podstavkov na Trafalgarskem trgu četrti podstavek neposredno pred Narodno galerijo nima stalnega kipa. Nekateri udeleženci so bili tudi sami umetniki in so skicirali svoj nenavaden pogled (fotografija).

Antony Gormley se je rodil leta 1950 v Londonu. Študiral je na različnih fakultetah v Združenem kraljestvu in budizem v Indiji in na Šrilanki, preden se je osredotočil na kiparstvo na Slade School of Art v Londonu med letoma 1977 in 1979. Njegova prva samostojna razstava je bila v umetniški galeriji Whitechapel leta 1981. Leta 1994 je Gormley prejel Turnerjevo nagrado s svojim 'Field for the British Isles'.

Njegov življenjepis na njegovem Spletna stran pravi:

...Antony Gormley je revitaliziral človeško podobo v kiparstvu z radikalno raziskavo telesa kot mesta spomina in transformacije, pri čemer je uporabil lastno telo kot subjekt, orodje in material. Od leta 1990 je svoje zanimanje za človeško stanje razširil na raziskovanje kolektivnega telesa in odnosa med seboj in drugimi v velikih instalacijah ...

Gormley ne ustvarja figure, kot jo ustvarja, ker ne zna narediti kipov v tradicionalnem slogu. Namesto tega uživa v drugačnosti in sposobnosti, ki nam jo dajejo, da jih razlagamo. V intervjuju z Časi ¹, rekel je:

„Pri tradicionalnih kipih ne gre za potencial, ampak za nekaj, kar je že dokončano. Imajo moralno avtoriteto, ki je bolj zatiralna kot kolaborativna. Moja dela priznavajo svojo praznino.«

^{Vir:
Antony Gormley, The Man Who Broke the Mold John-Paul Flintoff, The Times, 2. marec 2008.}

Znani sodobni britanski slikarji

Sodobni slikarji. Peter Macdiarmid/Getty Images

Od leve proti desni umetnika Bob in Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego , Michael Craig-Martin, Maggi Hambling , Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake in Alison Watt.

Priložnost je bil ogled slike Diana in Akteon Tiziana (nevidno, levo) v Narodni galeriji v Londonu, z namenom zbiranja sredstev za nakup slike za galerijo.

Znani umetniki: Lee Krasner in Jackson Pollock

Lee Krasner in Jackson Pollock v vzhodnem Hamptonu, ok. 1946. Slika 10x7 cm. Dokumenti Jacksona Pollocka in Leeja Krasnerja, ca. 1905-1984. Arhiv ameriške umetnosti, Smithsonian Institution. Dokumenti Ronalda Steina / Jacksona Pollocka in Leeja Krasnerja

Od teh dveh slikarjev, Jackson Pollock je bolj znan kot Lee Krasner, toda brez njene podpore in promocije njegovega umetniškega dela morda ne bo imel mesta na umetniški časovnici, ki jo ima. Oba sta naslikana v abstraktnem ekspresionističnem slogu. Krasnerjeva se je sama borila za priznanje kritikov, namesto da bi jo imeli zgolj za Pollockovo ženo. Krasner je zapustil ustanovitev Fundacija Pollock-Krasner , ki podeljuje štipendije vizualnim umetnikom.

Lestveno stojalo Louisa Astona Knighta

Arhiv ameriške umetnosti / Smithsonian Institution's Sons Art Reference Department Records, c. 1865-1957)' id='mntl-sc-block-image_2-0-260' />

Louis Aston Knight in njegovo lestveno stojalo. c.1890 (Neidentificirani fotograf. Črno-bel fotografski tisk. Dimenzije: 18 cm x 13 cm. Zbirka: Referenčni oddelek za umetnost sinov Charlesa Scribnerja, c. 1865-1957). Arhiv ameriške umetnosti / Smithsonian Institution

Louis Aston Knight (1873--1948) je bil v Parizu rojeni ameriški umetnik, znan po svojih krajinskih slikah. Sprva se je izobraževal pri svojem očetu umetniku Danielu Ridgwayu Knightu. Na Francoskem salonu je prvič razstavljal leta 1894 in s tem nadaljeval vse življenje, hkrati pa je pridobil priznanje tudi v Ameriki. Njegovo slikarstvo The Afterglow je leta 1922 za Belo hišo kupil ameriški predsednik Warren Harding.

Ta fotografija iz Arhiv ameriške umetnosti , na žalost nam ne pove lokacije, vendar morate pomisliti, da je bil vsak umetnik, ki je bil pripravljen zabresti v vodo s svojo stojalo in slikami, zelo predan opazovanju narave ali pa pravi šovman.

1897: Ženski likovni tečaj

Arhiv ameriške umetnosti / Smithsonian Institution.' s tečajem umetnosti z inštruktorjem Williamom Merrittom Chaseom.' id='mntl-sc-block-image_2-0-263' />

Ženski likovni tečaj z inštruktorjem Williamom Merrittom Chaseom. Arhiv ameriške umetnosti / Smithsonian Institution.

Ta fotografija iz leta 1897 iz Arhiv ameriške umetnosti prikazuje umetniški tečaj za ženske z inštruktorjem Williamom Merrittom Chaseom. V tistem času so moški in ženske ločeno obiskovali likovni pouk, kjer so imele zaradi časa ženske to srečo, da so sploh lahko dobile likovno izobrazbo.

Umetniška poletna šola c.1900

Arhiv ameriške umetnosti / Smithsonian Institute' id='mntl-sc-block-image_2-0-266' />

Poletna umetniška šola leta 1900. Arhiv ameriške umetnosti / Smithsonian Institute

Učenci umetnosti na poletnih tečajih šole lepih umetnosti St Paul v Mendoti v Minnesoti so bili fotografirani okoli leta 1900 z učiteljem Burtom Harwoodom.

Poleg mode, veliki sončni klobuki so zelo praktični za slikanje na prostem saj zadržuje sonce pred vašimi očmi in preprečuje, da bi vas opekel obraz (tako kot top z dolgimi rokavi).

'Nelsonova ladja v steklenici' - Yinka Shonibar

Nelsonova ladja v steklenici na četrtem podstavku na trgu Trafalgar, Yinka Shonibar. Dan Kitwood / Getty Images

Včasih je velikost umetnine tista, ki ji daje dramatičen učinek, veliko bolj kot motiv. 'Nelsonova ladja v steklenici' Yinke Shonibar je tak kos.

'Nelsonova ladja v steklenici' Yinke Shonibar je 2,35 metra visoka ladja v še višji steklenici. To je replika vodilne ladje HMS viceadmirala Nelsona v merilu 1:29. Zmaga .

'Nelsonova ladja v steklenici' se je pojavila na četrtem podstavku na Trafalgar Square v Londonu 24. maja 2010. Četrti podstavek je stal prazen od leta 1841 do leta 1999, ko je bila prva od tekoče serije sodobnih umetniških del, ki jih je posebej za podstavek naročil Četrta skupina za zagon podstavka .

Umetniško delo pred 'Nelsonovo ladjo v steklenici' je bilo One & Other Antonyja Gormleyja, v katerem je druga oseba stala na podstavku eno uro, 24 ur na dan, 100 dni.

Od leta 2005 do 2007 ste lahko videli skulpturo Marca Quinna, Alison Lapper noseča , od novembra 2007 pa Model za hotel 2007 Thomasa Schutteja.

Umetnik je ročno natisnil motive batika na jadrih 'Nelsonove ladje v steklenici' na platno, ki ga je navdihnila tkanina iz Afrike in njena zgodovina. Steklenica je velika 5 x 2,8 metra, izdelana je iz pleksi stekla in ne iz stekla, odprtina steklenice pa je dovolj velika, da lahko splezate vanjo in zgradite ladjo.